Musée de la chasse et de la nature

Chefs-d’œuvre de la collection Mellon, du Virginia Museum of fine Art

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Le musée, toujours dans la ligne de la vocation de la Fondation François Sommer, montre une fois encore les différents aspects de la relation entre l’homme et l’animal dans l’espace naturel. Ici, avec Chefs-d’œuvre de la collection Mellon, du Virginia Museum of fine Art, dans une belle scénographie proposée par Alexandre Platteau, chef décorateur de la maison Hermès, au milieu des stalles au noms des chevaux de Paul Mellon, on peut admirer quelques toiles emblématiques de cette collection.

domi_C_Lire_musee_chasse_et_nature_paul_mellon_1En cette période où grâce à la révolution industrielle et à l’essor des classes bourgeoises, la civilisation occidentale fait de la campagne un lieu de villégiature. Basé sur l’esprit de la country life britannique, la terre, l’animal domestique et le cheval tout particulièrement se voient également liées à une notion récréative. Émergence de la notion de loisir et idéalisation de la vie à la campagne vont alors de pair.

Le milliardaire et amateur d’art Paul Mellon (1907-1999) a collectionné toute sa vie, perpétuant une tradition familiale. Avec son épouse ils transposent au cœur de la campagne de Virginie le mode de vie des gentlemen Farmer.

Dans leur domaine d’Oak Spring, Bunny donne libre cours à son goût pour le jardinage, tandis que Paul élève des chevaux de course. Saturant les murs du cottage, leur collection de peintures illustre cette relation rêvée à la nature, aux antipodes de l’agriculture industrielle qui, au même moment, transforme radicalement le paysage rural.

 

On peut notamment découvrir dans cette exposition un genre artistique représenté dans l’école anglaise : la sporting painting. Mais également des impressionnistes français qui témoignent d’un autre aspect de la vie à la campagne, en cette époque où la petite bourgeoisie investit l’espace pour ses propres loisirs.

 

Les chefs-d’œuvre présentés au Musée de la Chasse et de la Nature ont été légués au Virginia Museum of Fine Arts (VMFA).

Et comme c’est aussi l’habitude dans ce musée très original et qui mérite le détour, une exposition en deux temps par deux artistes se mêle adroitement à l’ensemble des collections :

Kohei Nawa, avec ses Pixcell-Deer du 4 septembre au 2 décembre 2018

La présentation par le musée :
A l’occasion de la saison en France et dans la continuité d’une collaboration initiée il y a deux ans, le musée de la Chasse et de la Nature et la Villa Kujoyama à Kyoto présentent une exposition personnelle consacrée à Kohei Nawa.

Figure éminente de l’art contemporain japonais, l’artiste est à l’honneur à Paris cet automne avec la sculpture Trône exposée au musée du Louvre dans le cadre de la saison Japonismes 2018. Les œuvres disséminées dans les collections permanentes du musée de la Chasse et de la Nature reprennent les thèmes chers à l’artiste qui tente de renouveler l’imagerie sacrée. A cette fin, il mixe des éléments issus de la culture traditionnelle japonaise – et notamment les références aux cultes shintoïstes – avec des images issues de la technologie contemporaine. Ainsi, PixCell-Deer transforme la perception que l’on a d’un cerf – animal sacré dans le Japon ancien – en associant un spécimen naturalisé à des sphères de verre qui le recouvrent intégralement en fragmentant sa silhouette. Au musée de la Chasse et de la Nature, l’œuvre vient dialoguer avec les images de cerf issues de la culture occidentale qui sont déjà présentes dans la collection permanente.

 

Angelika Markul et ses Tierra Del Fuego du 4 septembre au 2 décembre 2018

La présentation par le musée :
domi_C_Lire_musee_chasse_et_nature_Aangelika_markulTierra Del Fuego est un projet artistique polymorphe, composé d’un ensemble d’œuvres plastiques qui porte sur la disparition d’un paysage de glaciers. Il est inspiré de l’archipel du même nom qui se situe en Patagonie, aux confluences de l’Argentine et du Chili, à l’extrême sud du continent américain… L’exposition donne lieu à un cycle autour des imaginaires du changement climatique et de la fonte des glaces.

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Maurice Denis et Eugène Delacroix, de l’atelier au musée

Derniers jours pour l’exposition au Musée national Eugène Delacroix

DomiCLire_musee_delacroixIl est encore temps de revoir ce musée absolument charmant qu’est le Musée national Eugène Delacroix et de découvrir l’exposition « Maurice Denis et Eugène Delacroix De l’atelier au musée » qui se termine le 28 août 2017.

Bien qu’il soit né après le décès de Delacroix, le peintre Maurice Denis avait une admiration sincère pour l’œuvre d’Eugène Delacroix qu’il a approchée dans les musées, mais aussi par l’intermédiaire d’artistes plus âgés, Paul Cézanne, Odilon Redon, Paul Gauguin. Il a d’ailleurs été l’un des acteurs du sauvetage de l’atelier de Delacroix près de la place de Fürstenberg, puis de sa transformation en musée. L’exposition met en valeur l’admiration de l’œuvre d’Eugène Delacroix par des artistes nés après sa disparition.

 

 

J’ai découvert ce musée lors du vernissage de cette exposition, quel joli havre de paix dans un quartier par ailleurs absolument délicieux. C’est là que l’artiste était installé et qu’il est mort en 1863.
Le jardin vient d’être rénové. Quel charme !
Allez-y, savourez les tableaux et l’ambiance dans la maison ou dans l’atelier, prenez le temps de vous poser dans le jardin, asseyez-vous et écoutez, regardez, ils sont là, les artistes, les amis des peintres, vous les voyez ? …

 

Chefs-d’œuvre de Budapest. Dürer, Greco, Tiepolo, Manet, Rippl-Rónai…

Le Musée du Luxembourg accueille les chefs-d’œuvre des musées de Budapest.

DomiClire_budapest_1Pendant ses travaux de rénovation, le célèbre Szépmuvészeti Múzeum se joint à la Galerie Nationale Hongroise pour présenter à Paris les fleurons de leurs collections, depuis la sculpture médiévale jusqu’au symbolisme et à l’expressionnisme.
Quatre-vingt peintures, dessins et sculptures de Dürer, Cranach, Greco, Goya, Manet, Gauguin, Kokoschka entre autres, ainsi qu’une dizaine d’œuvres de l’art hongrois sont présentés, offrant ainsi une belle perspective de l’art européen.

La fin du moyen age, la renaissance germanique, l’age d’or hollandais, mais aussi les impressionnistes avec Manet, Monet ou Cézanne, aucun style n’est oublié. J’avais particulièrement aimé le tableau de Claude Monet « les barques » lorsque j’avais visité le musée à Budapest et je l’ai retrouvé avec plaisir.

Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais, le musée des Beaux-Arts de Budapest et la Galerie nationale hongroise. Du 9 mars 2016 au 10 juillet 2016.

Mutations urbaines, la ville est à nous ! Cité des Sciences et de l’Industrie

 « Chaque seconde, la population mondiale augmente de deux personnes. »

 

Inauguration de l’exposition « Mutations urbaines » à la Cité des Sciences et de l’Industrie à la Villette, que l’on peut voir à partir du 14 juin 2016…

La ville se transforme, la ville est le reflet de notre civilisation, de nos habitudes, de notre mode de vie. La moitié de la population mondiale vit aujourd’hui dans les villes et les zones urbaines. Comment aborde-t-on ce changement dans les différents pays, est-ce déjà en marche ? Exemples, idées, réflexions sont présentés dans cette exposition organisée en trois axes, de la réalité actuelle aux réflexions et aux propositions pour demain.

Dans cette exposition, beaucoup à voir, et entre autre, on visualise sur des schémas en relief, sur des écrans la densité de la population des villes, la mobilité de chacun au fil du temps, nos déplacements par les flux de nos terminaux mobiles, mais aussi les efforts faits aujourd’hui pour remettre la végétation et l’oxygène au premier plan des cités modernes. Un mini atelier dessin pour les enfants… Une réflexion à la fois digitale et écologique.

Pour tout savoir sur Mutations urbaines

 

Albert Marquet, peintre du temps suspendu

Albert Marquet est au Musée d’Art moderne de Paris jusqu’au 21 août 2016

Albert Marquet est un peintre du XXe siècle, discret et en retrait, qui a passé sa vie à voyager de Marseille à Alger, de Bordeaux au Havre, de Paris aux bords de Seine. Il y a là quelques magnifiques tableaux de bords de mer, de villes côtières, avec leur lumière si particulière, des ombres et des éclairages qui déterminent une profondeur à certaines toiles et leur donne un luminosité très particulière.

Un regard intéressant, une simplification extrême des formes, des couleurs pures et éclatantes et des reflets qui font penser à la photographie et aux cadrages très spécifiques qu’on peut faire avec un appareil photo.

Une jolie expo d’un peintre à découvrir.

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I ♥ JOHN GIORNO au Palais de Tokyo

Véritable hymne à John (ou hymne à l’amour ?) par Ugo Rondinone, retour sur l’exposition I ♥ JOHN GIORNO au Palais de Tokyo.

J’y ai découvert le poète John Giorno, né en 1936, figure majeure de l’underground new yorkais des années 1960. Souhaitant rendre la poésie accessible à tous, il fonde en 1965 Giorno Poetry Systems, un label avec lequel il édite des albums, et surtout Dial-a-poem en 1968, un service poétique par téléphone proposant des poèmes audio. John Giorno est sans doute l’un des poètes les plus influents de sa génération.

Au Palais de Tokyo, son œuvre « déborde du livre » et vient orner la totalité de la surface des murs. En particulier avec les Poem Paintings que John Giorno réalise à partir de courts extraits de ses textes. Ces phrases, projetées sur la toile, expriment toute leur force par le jeu des couleurs et des formes. Le poème sort du livre et se confronte à de nouvelles situations. Il devient visuel, pictural, l’écriture devient dessin, le mot se transforme en image.
Apparemment, pour John Giorno les poèmes sont comme des images, il les peints sur la toile, les déstructure sur la page d’un livre, les décline et les déclame sur une scène, les enregistre sur disque.

Dès le début de l’exposition, on pénètre dans une salle plongée dans l’obscurité, et là c’est juste magique, une fabuleuse présentation de l’enregistrement au Palais des glaces à Paris, où l’auteur, filmé sous toutes les coutures, en costume noir puis blanc, déclame son poème « Thanx 4 nothing » véritable hymne à l’amour là aussi, amour de la vie, ode à ses ex amants et à son maitre Rinpoché, remerciements pour simplement « être ». Le montage est saisissant et unique.

Dans cette exposition qui passe du noir et blanc de la première salle, à la couleur éclatante de la suivante, la poésie, les arts visuels, et la musique montrent l’influence de la vie et de l’œuvre de Giorno sur plusieurs générations d’artistes.

Une salle est consacrée à Dial-a-poem. Au début des années 1960, Giorno conçoit le poème comme un virus qui doit se transmettre au plus grand nombre. Il crée ainsi Dial-a-poem / Appelle un poème un service téléphonique qui permet l’écoute de poèmes, œuvres sonores, chansons et discours politiques et qui reçut des millions d’appel. Ce service a été réactivé à l’occasion de l’exposition en partenariat avec Orange. Pendant toute la durée de l’expo, on peut écouter la version originale de Dial-A-poem / Appelle un poème enrichie de voix françaises, plus d’un siècle de poésie sonore, de 1915 à nos jours. Les morceaux, diffusés de façon aléatoire, reflètent la diversité de registres défendue par Giorno : Antonin Artaud, Louise Bourgeois, Serge Gainsbourg, Simone de Beauvoir, Bernard Heidsieck, Brigitte Fontaine ou encore Eric Duyckaerts…
Une salle est consacrée au très étrange film Sleep (1963) d’Andy Warhol, bon là j’avoue j’ai un peu « calé »… et ne parlons pas du remake par Pierre Huyghe. Enfin, dans la dernière salle, de très belles photos de cet artiste au profil de boxeur ou d’acteur.

Cette exposition est assurément une découverte, qui donne envie de lire ou écouter quelques poèmes !

THANX 4 NOTHING
on my 70th Birthday in 2006

I want to give my thanks to everyone for everything,
and as a token of my appreciation,
I want to offer back to you all my good and bad habits
as magnificent priceless jewels,
wish-fulfilling gems satisfying everything you need and want,
thank you, thank you, thank you,
thanks.

Si comme moi vous êtes curieux, retrouvez le texte ici et la vidéo ici

« Fragonard, amoureux », au Musée du Luxembourg à Paris

On dit qu’il faut « lâcher prise et se laisser transporter au gré des évolutions picturales de Fragonard ». Voilà qui est fait, je suis allée voir l’exposition du musée de Luxembourg.

Jean Honoré Fragonard, "Le Verrou", vers 1777-1778Que l’on évoque les œuvres de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) lors de son parcours en Italie, ou les peintures plus classiques de la fin de sa carrière, le sentiment amoureux est toujours particulièrement prégnant sous le pinceau de l’artiste, même s’il évolue à travers le XVIII e siècle.

L’œuvre de Fragonard est indéniablement portée par l’inspiration amoureuse.
Qu’elle soit galante, libertine, polissonne ou au contraire synonyme d’une nouvelle éthique amoureuse, son œuvre met perpétuellement en scène la rencontre des corps et la fusion des âmes.

 

Que ce soit par les peintures exposées, les dessins et les ouvrages illustrés, au contenu érotique plutôt explicite, l’exposition du Musée du Luxembourg met en lumière l’œuvre de Fragonard à travers ce prisme amoureux.
Parfois un peu trop « poudré » à mon goût, on ne peut malgré tout qu’admirer le talent d’un artiste reconnu par tous.
Par contre j’aime énormément certains détails de ces tableaux, superbes de délicatesse. En voici quelques uns :

 

10302056_10201185172468253_3672633274516044344_nEnfin, quelques œuvres font parler, comme « le verrou » où l’on comprend que la limite du libertinage est sans doute proche de l’abus ou du viol.. autres temps, mais pas autres mœurs, où les femmes ne sont pas toujours consentantes, où le « non » à une signification différente suivant s’il est prononcé ou entendu ? …

Mais dans tous les cas, c’est une très jolie exposition, dans ce lieu que j’aime beaucoup, tout à côté des beaux jardins du Luxembourg et du Sénat. A voir jusqu’au 24 janvier 2016.


12391052_10201185173148270_1726657440246094607_nSouvent en écho avec les transformations et préoccupations de son époque. L’exposition explore les diverses variations autour du thème du sentiment ou de l’impulsion amoureux, inlassablement repris et enrichi dans l’œuvre de Fragonard : depuis les premières « bergeries » liées à la grande tradition de galanterie héritée du XVIIe siècle jusqu’aux allégories amoureuses néoclassiques imprégnées d’un véritable mystère sacré de la fin de sa carrière.

Commissaire : Guillaume Faroult, conservateur en chef, en charge des peintures françaises du XVIIIe siècle et des peintures britanniques et américaines du musée du Louvre.
Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais en partenariat avec le Musée du Louvre.