« L’instant figé, quand l’art saisit le mouvement » le MOOC proposé par Orange & le musée du Louvre

Un MOOC sur l’Instant figé ? Avec le Louvre et en relation avec l’exposition « Corps en mouvement. La danse au musée », ah, mais qu’est-ce que c’est ?

mooc_identite_finAfin de mieux accompagner l’exposition « Corps en mouvement. La danse au musée » présentée dans la Petite Galerie du Louvre jusqu’à cet été, Orange et le musée du Louvre nous proposent un MOOC en 5 séquences. Les inscriptions sont ouvertes depuis 30 janvier, les cours débuteront lundi 6 mars 2017.

Mais alors, un MOOC (Massive Online Open Courses), qu’est-ce que c’est ?  Tout simplement un enseignement en ligne ouvert à tous ceux qui le souhaitent et qui est entièrement gratuit. Tous les curieux, les amateurs d’art, ceux qui aiment apprendre, s’instruire et découvrir peuvent s’inscrire à ce cours.

Le MOOC « l’instant figé » donne des clés d’observation et d’explication d’œuvres de l’Antiquité à nos jours, autour du thème du mouvement dans l’art.
A chacun son rythme, les 3 premières sessions vont ouvrir dès lundi 7 mars, ensuite viendront les 2 suivantes.
Chaque thématique est illustrée par des œuvres majeures (la Victoire de Samothrace, le Verrou de Fragonard ou Les Sabines de David) et bénéficie d’une mise en contexte historique et artistique. Dans chaque session, des vidéos, des ressources complémentaires, des activités d’apprentissage et un forum de discussion guiderons les apprentis Moocqueurs. N’oublions pas qu’il y a aussi les quizz pour tester ses connaissances et pour acquérir des badges. Si si, à tout âge ça marche les badges, ça permet de se faire plaisir et de confirmer que l’on a emmagasiné quelques connaissances ! Le MOOC est également animé pendant les premières semaines, on peut donc poser toutes les questions complémentaire qui nous viendrait à l’esprit et dont on n’aurait pas trouvé la réponse dans les différents documents. Chacun à sa convenance peut également faire les activités ludiques inscrites dans chaque session et participer à la communauté de Moocqueurs. Le MOOC, c’est donc quand on veut, chacun à son rythme, et on y prend ce que l’on veut !

Pour Orange, c’est presque une habitude, puisque c’est le cinquième MOOC Culture proposé en relation avec les plus grands musées (Musée de l’Homme, Musée Picasso, Château de Versailles) et plus de 62000 personnes ont déjà suivi ces enseignements à la fois ludiques et rigoureux. L’outil numérique permet donc à la fois à Orange et aux musée de démocratiser l’accès au savoir et à la culture, en rendant ceux-ci accessibles au plus grand nombre par des formations de qualité.

Bon, moi je suis dans les startingblocks, inscrite et prête à apprendre !

Au programme du MOOC :

Comment le génie de l’artiste arrive-t-il à faire jaillir le mouvement d’une œuvre pourtant immobile ? Quelles histoires issues de la mythologie et de la religion ont permis aux artistes d’étudier et d’inventer des formules pour décomposer et suggérer le mouvement ? C’est Ludovic Laugier qui propose des réponses à ces questions.
Le cours s’organise autour de 5 thématiques :

  1. Entrez dans la danse
  2. Il va y avoir du sport !
  3. Arrêt sur image
  4. Corps à corps
  5. Mouvements passionnés

Inscriptions sur http://www.mooc-instantfige.com

 

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Voyages d’encre. Carnets de Chine, 2005-2013. Simon

« Voyages d’encre. Carnets de Chine, 2005-2013 » de Simon  est une merveille pour les amoureux de la Chine, de l’art, des beaux livres.

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Comme l’écrit Simon, Dessiner, c’est vivre intensément_ immobile. En parcourant ce beau livre, nous aussi, simple lecteurs, allons vivre intensément et cependant rester immobiles !
D’abord grâce à son grand format qui le rend particulièrement lisible et agréable à feuilleter. C’est exactement le livre que l’on garde près de soi, sur sa table de salon, pour le découvrir encore et encore un peu plus chaque jour.

Ensuite, des croquis, des dessins, font vivre sous nos yeux des paysages, des montagnes et des  campagnes, des villes, mais également des personnages, des femmes, des enfants, des hommes, des travailleurs du quotidien, on y trouve aussi des animaux, des oiseaux, des cimetières, des temples,  des fêtes, l’eau qui jaillit ou celle qui ruisselle, tout ce qui fait la vie en somme. De l’idée que l’on se fait de la magnificence de l’Empire du Milieu, à l’image de la Chine d’aujourd’hui où même les immeubles et la ville ont une personnalité que l’on ne retrouve nulle part ailleurs, le lecteur voyage de découverte en découverte.

Enfin, les dessins magnifiques alternent avec des poèmes, des carnets de route, des textes, parfois manuscrits directement tracés sur les dessins du carnet de voyage, dans des tonalités de gris ou beiges, ou en couleurs, dans des teintes qui invitent au voyage, qui transportent vers cet ailleurs que l’on rêve de parcourir dans les pas de Simon, artiste et poète, artiste et écrivain, artiste et avant tout humain.

Je vous invite à découvrir d’urgence ce Voyages d’encre. Carnets de Chine, 2005-2013 de Simon, vous serez enchantés et rasséréné par tant de beauté. Ensuite, vous pourrez fermer ce livre, et penser : sérénité, harmonie, partage, voyage.

Et n’oubliez pas d’aller faire un tour sur le blog de Céline Arthémiss


Catalogue éditeur : éditions Akinomé

Une œuvre unique, réalisée et écrite par Simon entre 2005 et 2013.
Une aventure graphique et humaine à travers toute la Chine rassemblée dans un livre d’art.
À partir d’une œuvre originale constituée d’une trentaine de carnets de voyage (dont 7 grands formats 32 x 42 cm), une sélection des plus belles doubles pages est présentée et mise en scène, accompagnée d’un récit épique, nourri d’anecdotes et plein d’humour.

Collection : Carnets de voyage / ISBN : 978-2-7466-8374-7 / Prix : 49,00 € / 240 pages / Format : 29 cm x 36 cm / Cartonné

Voyages d’encre, carnets de Chine 2005-2013 a obtenu le Grand Prix de la Fondation d’Entreprise Michelin au Rendez-vous du carnet de voyage de Clermont-Ferrand en 2015, ainsi que le Prix Pierre Loti.

Livre à commander chez l’éditeur ou à la Librairie le Phoenix

Rembrandt intime. Musée Jacquemart André

Rembrandt intime, une exposition à voir au musée Jacquemart André jusqu’au 23 janvier 2017

domi_c_lire_expo_rembrandt11Maître de l’art hollandais du XVIIe siècle, Rembrandt a dominé l’art son temps. Habité d’un pouvoir créatif qui force l’admiration, Rembrandt interroge dans ses œuvres la destinée humaine, tout en s’attachant à représenter son cercle intime. Ses proches font l’objet de nombreuses études réalisées par un artiste qui va aussi, tout au long de sa vie, se représenter lui-même et porter l’art de l’autoportrait à ses sommets.

Quand on a l’habitude d’aller dans ce superbe lieu qu’est le musée Jacquemart André, on connait déjà trois des œuvres maitresses de l’exposition : les Pèlerins d’Emmaüs (1629), le Portrait de la princesse Amélie de Solms (1632), et le Portrait du Docteur Arnold Tholinx (1656). Elles sont représentatives d’époques différentes de la vie du maitre, ses débuts, sa vie à Amsterdam, puis la maturité et son évolution artistique.

Des prêts exceptionnels du Metropolitan Museum of Art de New York, du musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg, de la National Gallery de Londres, du Rijksmuseum d’Amsterdam, du Louvre ou encore du Kunsthistorisches Museum de Vienne permettent de mettre ces trois œuvres en scène avec d’autres œuvres contemporaines de chaque époque. En particulier de nombreux dessins, portraits, gravures. Avec comme conducteur la vie et les proches de Rembrandt, indissociables de son œuvre.

De salle en salle (on se souvient aussi que la partie réservée aux expositions est relativement petite, mais quel concentré de beauté !) on admire donc une vingtaine de tableaux et autant sinon plus de gravures et dessins, ces derniers permettant de comprendre toute la finesse et la magie du talent de Rembrandt.

Rembrandt est né le 15 juillet 1606 à Leyde, il meurt le 4 octobre 1669. Dans ses tableaux, on retrouve sa femme Saskia, puis sa compagne Hendrickje Stoffeis ou même son fils. Passé maitre dans l’art du dessin, il est également reconnu pour ses portraits de notables, à la fois réalistes et d’une simplicité qui n’est qu’apparente. Il leur doit une partie de sa notoriété. On se délecte à admirer les jeux de lumières sur des tableaux en apparence sombres mais au final si puissants.

Un jolie exposition, à peine frustrante tant on souhaiterait découvrir d’avantage d’œuvres majeures du maitre. Mais le réconfort est de se dire que l’on pourra toujours revenir au Musée Jacquemart André pour revoir les trois pièces maitresse de l’exposition. Ainsi que l’ensemble des collections permanentes qui elles aussi valent la visite !

New York esquisses nocturnes. Molly Prentiss. #MRL16

De Buenos Aire à New York, le destin et la rencontre d’une peintre et d’un critique d’art dans le foisonnement artistique des années 80.

DomiCLire_newyork_esquisses_nocturnes.jpegMolly Prentiss nous entraine sur les traces de Raul Engales. Arrivé d’Argentine, fuyant le pays et surtout la répression qui fait des ravages, dans l’opposition en particulier, il a abandonné sa sœur pour aller vivre ses rêves d’artiste à New York. Raul est un artiste peintre qui cherche la reconnaissance de son art et rêve d’une première exposition qui le fera connaître au monde de l’art New Yorkais.
Nous rencontrons ensuite James, un homme étonnant et décalé qui toute sa vie a ressenti les personnes et les choses par des couleurs, des odeurs, des lumières, une musique, car il est atteint de Synesthésie. Il trouve finalement une issue à sa maladie en devenant critique d’art. Car lui seul sait décrire autrement ce que les autres ressentent mais en savent pas exprimer. Il fait et défait tout ce qui compte ou espère compter dans le milieu artistique new-yorkais.

Winona George, une galeriste célèbre, décide de lancer Raul lors d’une grande exposition dans sa galerie. Pour créer le buzz, elle vend une première toile qui sera achetée par James. Tout semble aller pour le mieux, l’avenir est souriant pour chacun d’eux. Mais deux évènements dramatiques vont les frapper tour à tour. Peu à peu, un lien d’abord invisible et ténu va se tisser entre les deux hommes.

En effet, James reconnait en la blonde et naïve Lucie, la compagne de Raul, le sujet de sa toile et s’en rapproche.  Mais rapidement l’amour naissant et obsessionnel pour le sujet de sa toile se transforme lorsque James comprend que ce coup de foudre est en fait celui qu’il a pour les couleurs, les lumières, les fulgurances de cet artiste dont il ne sait rien. Lucie, tombée amoureux de Raul, cet homme si différent capable de créer, peindre, avec acharnement et obsession, des couleurs et des lumières qui la transporte. Lucie va être la charnière, celle qui éloigne et celle qui rapproche, celle qu’on aime et qu’on abandonne, rejetée et incomprise, aimante et blessée.

Les personnages féminins ont bien peu de chance dans l’univers de Molly Prentiss, comme c’est également le cas pour Marge, la femme de James. Élément solide du foyer, c’est elle qui fait vivre son couple et qui sera à ses côtés quand James va partir dans des délires pour tenter de retrouver sa créativité.

Malgré tout, tant Raul que James sont deux personnages intéressants par leur singularité et leur créativité débordante. Mais j’aurais aimé les trouver dans la  description d’un environnement plus vivant, plus représentatif de ce foisonnement artistique du NY des années 80. Je me suis sentie un peu frustrée, les quelques mentions à Jean-Michel…Basquiat, ou Keith Haring, m’ont intriguée et j’aurais bien aimé qu’ils ne fassent pas que traverser l’intrigue ! Même si je dois reconnaitre que les descriptions de ce foisonnement artistique, totalement marginal, la vie des squats, la misère, la faim et la drogue parfois, souvent, et de la créativité et de la nuit, sont bien exprimés et participent de l’envie de lire ce roman jusqu’au bout.

#MRL16


Catalogue éditeur : Calmann-Lévy

Au début des années 80, le downtown de New York est le centre de l’univers, un terrain de jeu revêche, encore hermétique à la menace de l’embourgeoisement. Artistes et écrivains s’y mêlent dans des squats  insalubres où leurs rêves de reconnaissance prennent des formes multiples. Parmi eux, Raul Engales, un peintre argentin en exil, fuyant son passé et la « guerre sale » qui a enflammé son pays. S’affamant pour payer son matériel, il peint le jour d’immenses toiles mettant en scène les spectres qu’il croise la nuit. Un soir, il attire l’attention de James Bennett, critique d’art en vogue du New York Times, proche de Basquiat, Warhol et Keith Haring. Tandis que l’ascension fulgurante de l’un entraîne l’autre sous les projecteurs, une double tragédie les frappe. Dans ce chaos, Lucy, l’amante enjouée de Raul, échappée d’une obscure banlieue de l’Idaho, tente de les extraire de leur détresse. Entre peintre, critique et muse se dessine alors un triptyque
amoureux étourdissant.

Avec une écriture inventive d’une grande force poétique, Molly Prentiss explore la nécessité de beauté, de partage, de création et d’amour dans un paysage urbain et mouvant.

Prix TTC : 21.50 € / EAN : 9782702159569 / Format : 135 x 215 mm / 416 pages / Parution : 17 août 2016

La valse des arbres et du ciel. Jean-Michel Guenassia

« …Je suis sur la bonne voie, quand je veux peindre ce que je sens et sentir ce que je peins » Vincent Van Gogh

A Auvers-sur-Oise, Vincent aura vécu soixante-dix jours et peint plus de soixante-dix toiles. Jean-Michel Guenassia lui donne vie dans son dernier roman « La valse des arbres et du ciel ».

Toute la petite ville du val d’Oise respire aujourd’hui encore au rythme des artistes qui, à la fin du 19e, y sont venus faire éclater les couleurs sur leurs toiles magiques et pourtant incomprises de leurs contemporains, Pissarro, Van Gogh, Gauguin, entre autre. Mais n’est-ce pas l’apanage de ceux qui ouvrent la voie, qui découvrent de nouveaux horizons, explorent de nouveaux mondes, en peinture comme dans toutes les formes d’art.

Dans La valse des arbres et du ciel, Jean-Michel Guenassia donne la parole à Marguerite Gachet. La narratrice évoque cette période riche et foisonnante de la vie de Vincent Van Gogh. Margueritte voudrait être peintre, elle tente de s’émanciper d’un père tout puissant, et si elle a eu le droit de poursuivre, et de réussir, des études, son futur mariage est déjà arrangé et son avenir est tout tracé. Marguerite est prétexte à nous dépeindre la conditions des femmes : autorité du père, qui prend les décisions pour ses filles, mariage arrangé pour plaire aux familles, études parfois – mais attention, toutes les disciplines ne sont pas encore ouvertes aux femmes – et surtout un avenir tout tracé, se marier, tenir un foyer et d’avoir des enfants.

Domi_C_Lire_Auvers_sur_Oise3Le père de Marguerite, le docteur Gachet, à l’habitude de soigner des artistes. Souvent démunis, ils le payent avec ces tableaux qu’ils ont tant de mal à vendre. Vincent sera l’un d’eux. On le lui confie, il arrive de Saint-Rémy de Provence où il a eu de graves altercations avec Gauguin, et il sombre peu à peu dans la folie. Jean-Michel Guenassia nous montre un Vincent qui de l’aurore à la tombée du jour arpente la campagne environnante pour reproduire à sa façon les paysages qui l’entourent. Dès lors, couleurs, lumière et formes éclatent sur la toile, on visualise bien Vincent, assis devant son chevalet, d’abord pensif, puis acteur de ces scènes magiques qu’il a peintes pour notre plus grand bonheur à tous. On l’imagine, pantalon et chemise tachées de peinture, chapeau de feutre sur la tête, chevalet plié et sac fourretout dans lequel il glisse tubes, pinceaux et brosses, sa toile sous le bras, qui rentre vers sa chambre de l’auberge Ravoux pour finir ce qui deviendra un autre chef-d’œuvre. Vincent, qui rêvait d’exposer un jour « dans un café » mais n’a jamais vendu une seule toile de son vivant, est aidé par Théo, le frère, le double, celui qui le comprend et l’aide à réaliser son œuvre.

L’auteur insère dans ses chapitres de courts textes en italique sur l’actualité, la vie, qui installent bien les personnages dans leur époque. Anti sémitisme, scandale du canal de Panama, progrès avec le développement du chemin de fer, exposition et salon des indépendants…

J’ai aimé avant tout cette vie que l’auteur a donné à Vincent, cette façon de le faire parler de la peinture, celle que l’on vit, savoir pourquoi on veut peindre, ce qu’on y met de soi, ce qu’on doit ressentir tout au fond de soi, et que l’on jette sur la toile… ce foisonnement artistique, cette intensité créatrice que l’on ressent dans les mots du roman et que l’on retrouve sur ses toiles.

On peut peut-être se poser des questions sur la fin de l’intrigue de La valse des arbres et du ciel, mais qu’importe si elle est crédible ou pas, puisqu’il s’agit d’un roman. Et après tout de très nombreuses versions s’opposent aujourd’hui à celle du suicide de Vincent. Entre autre celle d’enfants ayant joué avec une arme et que Vincent n’aurait pas dénoncés… Mystère qui ne ramènera pas ce Maitre de la peinture dont je suis une inconditionnelle, et dont je cours voir les œuvres dès que je peux  !

#rl2016

Trois toiles exposées au MET, et un portrait, prét temporaire au musée d’Orsay en 2015

Exposition temporaire au MET à New York en 2015


Catalogue éditeur : Albin Michel

Domi_C_Lire_Auvers_sur_Oise2Auvers-sur-Oise, été  1890. Marguerite Gachet est une jeune fille qui étouffe dans le carcan imposé aux femmes de cette fin de siècle. Elle sera le dernier amour de Van Gogh. Leur rencontre va bouleverser définitivement leurs vies.
Jean-Michel Guenassia  nous révèle une version stupéfiante de ces derniers jours…Lire la suite

Édition brochée : 19.50 € / 17 Août 2016 / 140mm x 205mm / 304 pages / EAN13 : 9782226328755

Picasso.Mania au grand Palais

Vous continuerez longtemps à peindre ? – « Oui, parce que pour moi, c’est une manie » (Picasso)
A l’exposition Picasso.mania du grand Palais, on pouvait admirer cent chefs d’œuvre de Picasso, dont certains jamais montrés, et mieux appréhender l’influence du maitre chez les artistes contemporains et avant-gardistes des années 60 /80.

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Andy Warhol

Même si elle est terminée depuis longtemps, j’ai envie de revenir sur mes impressions suite à mes visites de Picasso.mania. L’exposition était présentée à la fois de façon chronologique et thématique, pour mieux montrer comment les œuvres de l’artiste furent reçues par les plus grands, qu’ils aient été critiques ou artistes, mais dans tous les cas acteurs des étapes de la formation du mythe Picasso. Le face à face confrontait les artistes au maitre et apparaissait presque comme une évidence.
Il est important de connaitre l’homme, ses influences sur les plans personnel, historique et artistique, pour mieux comprendre son œuvre. Aux grandes périodes et à certaines œuvres particulièrement emblématiques de Pablo Picasso, telles que Les Demoiselles d’Avignon et Guernica, répondent les œuvres contemporaines de Hockney, Johns, Lichtenstein, Kippenberger, Warhol, Basquiat ou Jeff Koons.

 

Maurizio Cattelan : en 1960 il utilise un masque en papier mâché, qu’il fait porter à un mannequin avec une tenue typique de Picasso, la marinière. C’est une attaque de la démocratisation culturelle : Picasso est devenu l’emblème de la société du divertissement de masse. Dans les années 60/70 on trouve par exemple des reproductions d’œuvres de Picasso jusque dans les cuisines de tous les français !

Chéri Samba peint Picasso avec les mains en petits pains (ce sont les petits pains qu’ils mangeaient à la villa !), mais y ajoute l’Afrique et la colombe. Picasso est placé devant une assiette, on voit la colombe qu’il avait dessinée en 49 pour le mouvement mondial pour la paix. Symbole de mouvement antimilitariste que Chéri samba résume lui aussi par la colombe.

Richard Hamilton peint les Ménines en remplaçant Velázquez par Picasso. Et comme Picasso est communiste, il représente aussi la faucille et le marteau. En fait, pour orchestrer son tableau, il s’inspire de tous les styles de l’artiste.

Guernica : Même si Picasso est parti tôt d’Espagne, il reste présent dans la vie espagnole et les peintres d’alors rendent hommage à l’artiste contestataire. Pour preuve de ce côté contestataire, le refus par Picasso du retour de Guernica en Espagne du vivant du dictateur Franco. Le tableau part alors au MOMA à New York, et ne reviendra à Madrid que dans les années 70, après la mort du maitre.

Les demoiselles d’Avignon : On sent la présence de l’art africain dans l’inspiration de Picasso tout particulièrement avec ce tableau, car deux demoiselles ont des visages qui ressemblent à des masques africains. Même si on est en pleine période colonialiste, Picasso a su reconnaître la valeur de l’art africain. Il faudra d’ailleurs arriver jusque dans les années 80 pour vraiment comprendre l’influence de l’art africain sur l’œuvre de Picasso. Le tableau est au MOMA, à New York. « Les Demoiselles d’Avignon » est la première œuvre cubiste référencée de Picasso, qu’il réalise en réaction à l’Olympia de Manet. Il utilise la géométrie dans l’art, mais ce n’est pas nouveau, au contraire, puisque c’est utilisé depuis longtemps en Afrique, en particulier avec les masques. Picasso allait d’ailleurs souvent à l’institut océanographique et possédait des œuvres africaines.

La Guitare « j’aime Eva « et le cubisme
domiClire_picasso_3L’invention du cubisme arrive avec Braque. C’est de la photo 3D avant l’heure. Cela correspond sans doute à une époque de démocratisation du cinéma. Le cubisme provient du désir des artistes de représenter à la fois l’espace et le temps en essayant de donner l’illusion du mouvement. Mais comment peut-on représenter le mouvement sur une surface figée ?
Les cubistes montrent donc des décalages temporels, des phases différentes, d’une même image. L’objet s’est simplement déplacé dans l’espace. C’est aussi une façon de représenter le volume. Ce qui est impossible autrement sur la planéité de la toile.
Depuis de 15e siècle, en peinture on utilise la perspective pour représenter l’idée du volume. Mais l’idée est alors que Dieu a créé une image pour que l’homme la regarde telle qu’elle est, et que cette image est unique. A l’époque du cubisme, on a une nouvelle vision du corps avec les évolutions de la science, les cubistes subissent cette idée. L’idée est de voir non seulement avec les yeux mais aussi par le toucher, de montrer les volumes tels qu’on les « voit » avec son corps entier. Comme si on pouvait le toucher, par la démultiplication en de multiples facettes. Exactement comme le fait Cézanne lorsqu’il peint à l’infini la montagne St Geneviève. Pourtant, Picasso ne veut pas être un peintre abstrait. Aussi revient-il à l’idée de « raconter une histoire » avec des yeux, une bouche, un nez etc.
Dans l’exposition, on pouvait voir les œuvres de David Hockney qui applique le cubisme à la photo. On se rend compte alors qu’il y a forcément plusieurs façons de représenter la réalité. Y compris en utilisant les limites même de la photo qui fige l’instant.

Quand Picasso Inspire les artistes afro américains : Colescott réalise « Les demoiselles d’Alabama vêtues et dévêtues » en 1985. A sa façon, il restaure et inverse les quotas et dans ses tableaux, remplace les blancs par des noirs !

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Roy Lichtenstein
Son interrogation : que va-t-on faire de l’artiste dans une société où les machines peuvent reproduire à l’infini n’importe quelle image, et où la reproduction tient lieu de création ! Dans ses œuvres, on peut voir de nombreux points : en fait il reproduit les trames de l’impression.

 

Très intéressante idée, deux tableaux de George Baselitz, dont l’un inspiré par un tableau du maitre. Ce peintre d’Allemagne de l’Est est bercé à la peinture de Picasso, l’un des rares artiste enseigné là-bas, simplement parce qu’il affirme ses convictions communistes ! Et ce n’est pas une erreur d’accrochage, mais George Baselitz retourne ses peintures car il veut que le visiteur ne cherche pas à voir l’objet représenté mais seulement l’œuvre…

Le cycle des quatre saisons de Jasper Johns, une des caractéristiques de son œuvre : les vases visages.

 

Après la mort de Picasso et de Jacqueline, Martin Kippenberger peint plusieurs tableaux qu’il intitule : « Jacqueline : The paintings Pablo couldn’t paint anymore”

 

domiClire_picasso_basquiatJe termine ma visite par ce tableau de Jean-Michel Basquiat, auto portrait en marinière : juste parce que j’aime particulièrement et le tableau, et le peintre !
Voilà, encore une fois c’était une expo passionnante, même si au premier abord elle était un peu hermétique, car les œuvres des artistes « suiveurs » ou « inspirés » ont vraiment besoin de quelques explications pour être mieux appréciées. Mais quel plaisir d’apprendre et de mieux comprendre.