La valse des arbres et du ciel. Jean-Michel Guenassia

« …Je suis sur la bonne voie, quand je veux peindre ce que je sens et sentir ce que je peins » Vincent Van Gogh

A Auvers-sur-Oise, Vincent aura vécu soixante-dix jours et peint plus de soixante-dix toiles. Jean-Michel Guenassia lui donne vie dans son dernier roman « La valse des arbres et du ciel ».

Toute la petite ville du val d’Oise respire aujourd’hui encore au rythme des artistes qui, à la fin du 19e, y sont venus faire éclater les couleurs sur leurs toiles magiques et pourtant incomprises de leurs contemporains, Pissarro, Van Gogh, Gauguin, entre autre. Mais n’est-ce pas l’apanage de ceux qui ouvrent la voie, qui découvrent de nouveaux horizons, explorent de nouveaux mondes, en peinture comme dans toutes les formes d’art.

Dans La valse des arbres et du ciel, Jean-Michel Guenassia donne la parole à Marguerite Gachet. La narratrice évoque cette période riche et foisonnante de la vie de Vincent Van Gogh. Margueritte voudrait être peintre, elle tente de s’émanciper d’un père tout puissant, et si elle a eu le droit de poursuivre, et de réussir, des études, son futur mariage est déjà arrangé et son avenir est tout tracé. Marguerite est prétexte à nous dépeindre la conditions des femmes : autorité du père, qui prend les décisions pour ses filles, mariage arrangé pour plaire aux familles, études parfois – mais attention, toutes les disciplines ne sont pas encore ouvertes aux femmes – et surtout un avenir tout tracé, se marier, tenir un foyer et d’avoir des enfants.

Domi_C_Lire_Auvers_sur_Oise3Le père de Marguerite, le docteur Gachet, à l’habitude de soigner des artistes. Souvent démunis, ils le payent avec ces tableaux qu’ils ont tant de mal à vendre. Vincent sera l’un d’eux. On le lui confie, il arrive de Saint-Rémy de Provence où il a eu de graves altercations avec Gauguin, et il sombre peu à peu dans la folie. Jean-Michel Guenassia nous montre un Vincent qui de l’aurore à la tombée du jour arpente la campagne environnante pour reproduire à sa façon les paysages qui l’entourent. Dès lors, couleurs, lumière et formes éclatent sur la toile, on visualise bien Vincent, assis devant son chevalet, d’abord pensif, puis acteur de ces scènes magiques qu’il a peintes pour notre plus grand bonheur à tous. On l’imagine, pantalon et chemise tachées de peinture, chapeau de feutre sur la tête, chevalet plié et sac fourretout dans lequel il glisse tubes, pinceaux et brosses, sa toile sous le bras, qui rentre vers sa chambre de l’auberge Ravoux pour finir ce qui deviendra un autre chef-d’œuvre. Vincent, qui rêvait d’exposer un jour « dans un café » mais n’a jamais vendu une seule toile de son vivant, est aidé par Théo, le frère, le double, celui qui le comprend et l’aide à réaliser son œuvre.

L’auteur insère dans ses chapitres de courts textes en italique sur l’actualité, la vie, qui installent bien les personnages dans leur époque. Anti sémitisme, scandale du canal de Panama, progrès avec le développement du chemin de fer, exposition et salon des indépendants…

J’ai aimé avant tout cette vie que l’auteur a donné à Vincent, cette façon de le faire parler de la peinture, celle que l’on vit, savoir pourquoi on veut peindre, ce qu’on y met de soi, ce qu’on doit ressentir tout au fond de soi, et que l’on jette sur la toile… ce foisonnement artistique, cette intensité créatrice que l’on ressent dans les mots du roman et que l’on retrouve sur ses toiles.

On peut peut-être se poser des questions sur la fin de l’intrigue de La valse des arbres et du ciel, mais qu’importe si elle est crédible ou pas, puisqu’il s’agit d’un roman. Et après tout de très nombreuses versions s’opposent aujourd’hui à celle du suicide de Vincent. Entre autre celle d’enfants ayant joué avec une arme et que Vincent n’aurait pas dénoncés… Mystère qui ne ramènera pas ce Maitre de la peinture dont je suis une inconditionnelle, et dont je cours voir les œuvres dès que je peux  !

#rl2016

Trois toiles exposées au MET, et un portrait, prét temporaire au musée d’Orsay en 2015

Exposition temporaire au MET à New York en 2015


Catalogue éditeur : Albin Michel

Domi_C_Lire_Auvers_sur_Oise2Auvers-sur-Oise, été  1890. Marguerite Gachet est une jeune fille qui étouffe dans le carcan imposé aux femmes de cette fin de siècle. Elle sera le dernier amour de Van Gogh. Leur rencontre va bouleverser définitivement leurs vies.
Jean-Michel Guenassia  nous révèle une version stupéfiante de ces derniers jours…Lire la suite

Édition brochée : 19.50 € / 17 Août 2016 / 140mm x 205mm / 304 pages / EAN13 : 9782226328755

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Albert Marquet, peintre du temps suspendu

Albert Marquet est au Musée d’Art moderne de Paris jusqu’au 21 août 2016

Albert Marquet est un peintre du XXe siècle, discret et en retrait, qui a passé sa vie à voyager de Marseille à Alger, de Bordeaux au Havre, de Paris aux bords de Seine. Il y a là quelques magnifiques tableaux de bords de mer, de villes côtières, avec leur lumière si particulière, des ombres et des éclairages qui déterminent une profondeur à certaines toiles et leur donne un luminosité très particulière.

Un regard intéressant, une simplification extrême des formes, des couleurs pures et éclatantes et des reflets qui font penser à la photographie et aux cadrages très spécifiques qu’on peut faire avec un appareil photo.

Une jolie expo d’un peintre à découvrir.

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Picasso.Mania au grand Palais

Vous continuerez longtemps à peindre ? – « Oui, parce que pour moi, c’est une manie » (Picasso)
A l’exposition Picasso.mania du grand Palais, on pouvait admirer cent chefs d’œuvre de Picasso, dont certains jamais montrés, et mieux appréhender l’influence du maitre chez les artistes contemporains et avant-gardistes des années 60 /80.

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Andy Warhol

Même si elle est terminée depuis longtemps, j’ai envie de revenir sur mes impressions suite à mes visites de Picasso.mania. L’exposition était présentée à la fois de façon chronologique et thématique, pour mieux montrer comment les œuvres de l’artiste furent reçues par les plus grands, qu’ils aient été critiques ou artistes, mais dans tous les cas acteurs des étapes de la formation du mythe Picasso. Le face à face confrontait les artistes au maitre et apparaissait presque comme une évidence.
Il est important de connaitre l’homme, ses influences sur les plans personnel, historique et artistique, pour mieux comprendre son œuvre. Aux grandes périodes et à certaines œuvres particulièrement emblématiques de Pablo Picasso, telles que Les Demoiselles d’Avignon et Guernica, répondent les œuvres contemporaines de Hockney, Johns, Lichtenstein, Kippenberger, Warhol, Basquiat ou Jeff Koons.

 

Maurizio Cattelan : en 1960 il utilise un masque en papier mâché, qu’il fait porter à un mannequin avec une tenue typique de Picasso, la marinière. C’est une attaque de la démocratisation culturelle : Picasso est devenu l’emblème de la société du divertissement de masse. Dans les années 60/70 on trouve par exemple des reproductions d’œuvres de Picasso jusque dans les cuisines de tous les français !

Chéri Samba peint Picasso avec les mains en petits pains (ce sont les petits pains qu’ils mangeaient à la villa !), mais y ajoute l’Afrique et la colombe. Picasso est placé devant une assiette, on voit la colombe qu’il avait dessinée en 49 pour le mouvement mondial pour la paix. Symbole de mouvement antimilitariste que Chéri samba résume lui aussi par la colombe.

Richard Hamilton peint les Ménines en remplaçant Velázquez par Picasso. Et comme Picasso est communiste, il représente aussi la faucille et le marteau. En fait, pour orchestrer son tableau, il s’inspire de tous les styles de l’artiste.

Guernica : Même si Picasso est parti tôt d’Espagne, il reste présent dans la vie espagnole et les peintres d’alors rendent hommage à l’artiste contestataire. Pour preuve de ce côté contestataire, le refus par Picasso du retour de Guernica en Espagne du vivant du dictateur Franco. Le tableau part alors au MOMA à New York, et ne reviendra à Madrid que dans les années 70, après la mort du maitre.

Les demoiselles d’Avignon : On sent la présence de l’art africain dans l’inspiration de Picasso tout particulièrement avec ce tableau, car deux demoiselles ont des visages qui ressemblent à des masques africains. Même si on est en pleine période colonialiste, Picasso a su reconnaître la valeur de l’art africain. Il faudra d’ailleurs arriver jusque dans les années 80 pour vraiment comprendre l’influence de l’art africain sur l’œuvre de Picasso. Le tableau est au MOMA, à New York. « Les Demoiselles d’Avignon » est la première œuvre cubiste référencée de Picasso, qu’il réalise en réaction à l’Olympia de Manet. Il utilise la géométrie dans l’art, mais ce n’est pas nouveau, au contraire, puisque c’est utilisé depuis longtemps en Afrique, en particulier avec les masques. Picasso allait d’ailleurs souvent à l’institut océanographique et possédait des œuvres africaines.

La Guitare « j’aime Eva « et le cubisme
domiClire_picasso_3L’invention du cubisme arrive avec Braque. C’est de la photo 3D avant l’heure. Cela correspond sans doute à une époque de démocratisation du cinéma. Le cubisme provient du désir des artistes de représenter à la fois l’espace et le temps en essayant de donner l’illusion du mouvement. Mais comment peut-on représenter le mouvement sur une surface figée ?
Les cubistes montrent donc des décalages temporels, des phases différentes, d’une même image. L’objet s’est simplement déplacé dans l’espace. C’est aussi une façon de représenter le volume. Ce qui est impossible autrement sur la planéité de la toile.
Depuis de 15e siècle, en peinture on utilise la perspective pour représenter l’idée du volume. Mais l’idée est alors que Dieu a créé une image pour que l’homme la regarde telle qu’elle est, et que cette image est unique. A l’époque du cubisme, on a une nouvelle vision du corps avec les évolutions de la science, les cubistes subissent cette idée. L’idée est de voir non seulement avec les yeux mais aussi par le toucher, de montrer les volumes tels qu’on les « voit » avec son corps entier. Comme si on pouvait le toucher, par la démultiplication en de multiples facettes. Exactement comme le fait Cézanne lorsqu’il peint à l’infini la montagne St Geneviève. Pourtant, Picasso ne veut pas être un peintre abstrait. Aussi revient-il à l’idée de « raconter une histoire » avec des yeux, une bouche, un nez etc.
Dans l’exposition, on pouvait voir les œuvres de David Hockney qui applique le cubisme à la photo. On se rend compte alors qu’il y a forcément plusieurs façons de représenter la réalité. Y compris en utilisant les limites même de la photo qui fige l’instant.

Quand Picasso Inspire les artistes afro américains : Colescott réalise « Les demoiselles d’Alabama vêtues et dévêtues » en 1985. A sa façon, il restaure et inverse les quotas et dans ses tableaux, remplace les blancs par des noirs !

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Roy Lichtenstein
Son interrogation : que va-t-on faire de l’artiste dans une société où les machines peuvent reproduire à l’infini n’importe quelle image, et où la reproduction tient lieu de création ! Dans ses œuvres, on peut voir de nombreux points : en fait il reproduit les trames de l’impression.

 

Très intéressante idée, deux tableaux de George Baselitz, dont l’un inspiré par un tableau du maitre. Ce peintre d’Allemagne de l’Est est bercé à la peinture de Picasso, l’un des rares artiste enseigné là-bas, simplement parce qu’il affirme ses convictions communistes ! Et ce n’est pas une erreur d’accrochage, mais George Baselitz retourne ses peintures car il veut que le visiteur ne cherche pas à voir l’objet représenté mais seulement l’œuvre…

Le cycle des quatre saisons de Jasper Johns, une des caractéristiques de son œuvre : les vases visages.

 

Après la mort de Picasso et de Jacqueline, Martin Kippenberger peint plusieurs tableaux qu’il intitule : « Jacqueline : The paintings Pablo couldn’t paint anymore”

 

domiClire_picasso_basquiatJe termine ma visite par ce tableau de Jean-Michel Basquiat, auto portrait en marinière : juste parce que j’aime particulièrement et le tableau, et le peintre !
Voilà, encore une fois c’était une expo passionnante, même si au premier abord elle était un peu hermétique, car les œuvres des artistes « suiveurs » ou « inspirés » ont vraiment besoin de quelques explications pour être mieux appréciées. Mais quel plaisir d’apprendre et de mieux comprendre.

Glenn Gould, une vie à contretemps. Sandrine Revel

Dans la BD « Glenn Gould, une vie à contretemps » éditée chez Dargaud, Sandrine Revel dévoile avec talent les sombres tourments de ce génie de la musique, à la fois pianiste, compositeur, écrivain, homme de radio et réalisateur canadien.

https://i0.wp.com/bdi.dlpdomain.com/album/9782205070903/couv/M320x500/glenn-gould-tome-1-glenn-gould-une-vie-a-contretemps.jpgSi je connais son nom et ai déjà écouté quelques-unes de ses interprétations, j’avoue que je ne m’étais jamais souciée de sa biographie. Glen Gould nait en 1932 au Canada et meurt le 4 octobre 1982 à Toronto. Quand commence la BD de Sandrine Revel, Glenn Gould vient d’avoir un AVC qui lui sera fatal. Depuis son lit d’hôpital, les souvenirs reviennent, les siens bien sûr, mais également les souvenirs de tous ceux qui l’entourent. Famille, professeur, parents, journalistes, tous ceux qui ont à un moment croisé la route de cet interprète exceptionnel et unique, tant par son talent que dans son comportement. Ses manies d’artiste, sa chaise qui grince mais qui lui correspond, son piano, sa façon de se tenir, de s’habiller, sa passion pour les animaux, sa singularité artistique innée, son éternelle solitude, sont décrits au fil des pages avec beaucoup de finesse malgré parfois la rudesse de certains traits.
En changement de couleur, sombres et froides ou d’avantage en teintes rouges et noires, de graphismes en contours carrés ou arrondis, multitude de variations de mains sur le piano, à l’infini, comme les interprétations de Glenn Gould, l’auteur nous transporte d’une époque à l’autre, de l’enfance aux premiers concerts, des leçons de piano aux tournées magistrales, des tensions et des peurs irraisonnées de l’enfance aux crises hypocondriaques de sa vie d’adulte, c’est un artiste complexe qui se dévoile. C’est étrange, coloré mais parfois sombre, couleurs d’hiver ou de souffrance, étonnante profusion de vignettes, comme des successions de gros plans, en particulier sur les mains de l’artiste, pour une plongée prenante dans cette vie d’un artiste accompli, insolite et prodigieuse en même temps. Un très beau roman graphique.

💙💙💙💙


Catalogue éditeur

La biographie dessinée d’un génie de la musique.
Glenn Gould, star planétaire de la musique classique, génie absolu et solitaire. Cette biographie retrace la vie du célèbre pianiste canadien pour tenter de comprendre sa personnalité cachée et en percer le mystère… Pourquoi a-t-il arrêté si brutalement sa carrière de concertiste ? Pourquoi est-il devenu une des premières figures de l’ère médiatique à vouloir disparaître ? Sandrine Revel met tout son talent au service de cette peinture magnifique d’un génie au mal-être tangible.

Dessinateur / Scénariste / Coloriste : Sandrine Revel
Pagination : 136 pages / Format : 210×280 / EAN : 9782205070903

« Fragonard, amoureux », au Musée du Luxembourg à Paris

On dit qu’il faut « lâcher prise et se laisser transporter au gré des évolutions picturales de Fragonard ». Voilà qui est fait, je suis allée voir l’exposition du musée de Luxembourg.

Jean Honoré Fragonard, "Le Verrou", vers 1777-1778Que l’on évoque les œuvres de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) lors de son parcours en Italie, ou les peintures plus classiques de la fin de sa carrière, le sentiment amoureux est toujours particulièrement prégnant sous le pinceau de l’artiste, même s’il évolue à travers le XVIII e siècle.

L’œuvre de Fragonard est indéniablement portée par l’inspiration amoureuse.
Qu’elle soit galante, libertine, polissonne ou au contraire synonyme d’une nouvelle éthique amoureuse, son œuvre met perpétuellement en scène la rencontre des corps et la fusion des âmes.

 

Que ce soit par les peintures exposées, les dessins et les ouvrages illustrés, au contenu érotique plutôt explicite, l’exposition du Musée du Luxembourg met en lumière l’œuvre de Fragonard à travers ce prisme amoureux.
Parfois un peu trop « poudré » à mon goût, on ne peut malgré tout qu’admirer le talent d’un artiste reconnu par tous.
Par contre j’aime énormément certains détails de ces tableaux, superbes de délicatesse. En voici quelques uns :

 

10302056_10201185172468253_3672633274516044344_nEnfin, quelques œuvres font parler, comme « le verrou » où l’on comprend que la limite du libertinage est sans doute proche de l’abus ou du viol.. autres temps, mais pas autres mœurs, où les femmes ne sont pas toujours consentantes, où le « non » à une signification différente suivant s’il est prononcé ou entendu ? …

Mais dans tous les cas, c’est une très jolie exposition, dans ce lieu que j’aime beaucoup, tout à côté des beaux jardins du Luxembourg et du Sénat. A voir jusqu’au 24 janvier 2016.


12391052_10201185173148270_1726657440246094607_nSouvent en écho avec les transformations et préoccupations de son époque. L’exposition explore les diverses variations autour du thème du sentiment ou de l’impulsion amoureux, inlassablement repris et enrichi dans l’œuvre de Fragonard : depuis les premières « bergeries » liées à la grande tradition de galanterie héritée du XVIIe siècle jusqu’aux allégories amoureuses néoclassiques imprégnées d’un véritable mystère sacré de la fin de sa carrière.

Commissaire : Guillaume Faroult, conservateur en chef, en charge des peintures françaises du XVIIIe siècle et des peintures britanniques et américaines du musée du Louvre.
Exposition organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais en partenariat avec le Musée du Louvre.