à la découverte de l’artiste animalière Rosa Bonheur
Au château de By, l’artiste Rosa bonheur vit enfin comme elle le souhaite, proche de la nature, entourée d’animaux qu’elle peux peindre à satiété, sans être constamment importunée dans son atelier par un défilé de visiteurs hautement improductifs. En ce 14 août 1863 elle attend impatiemment un courrier important, son marchand d’art Ernest Gambart vient la trouver pour lui apprendre une mauvaise nouvelle de vive voix.
C’est dans cette atmosphère d’attente que se déroule la pièce. Chaque personnage, chaque élément est prétexte à nous présenter la vie et l’œuvre de l’artiste dont on fête cette année le bicentenaire de la naissance.
La pièce et les acteurs emplissent toute la salle de leur énergie, leur maîtrise du texte, et nous plongent deux siècles en arrière le temps de la représentation.
J’ai été transportée avec bonheur dans ce château à l’orée de Fontainebleau qu’elle a occupé pendant plus de quarante ans. J’ai aimé mieux connaître la femme indépendante et affirmée, l’artiste reconnue par les collectionneurs anglo-saxons quand la France lui refusait encore le droit d’entrer à l’académie de peinture, la grande spécialiste de la peinture de paysages, d’animaux, de nature, en opposition aux standards de son époque et qui a laissé de somptueuses œuvres picturales.
Une pièce formidable d’une heure et quart mais surtout des minutes qui défilent à toute allure tant on se plaît en compagnie de Rosa et de celles et celui qui l’accompagnent ici.
Pour aller plus loin : Une exposition Rosa Bonheur va débuter en octobre au musée d’Orsay. Une visite du château de By en Île de France pour tous ceux qui veulent approfondir leur connaissance de cette artiste. Un roman J’ai l’énergie d’une lionne dans un corps d’oiseau publié aux éditions Albin Michel, Patricia Bouchenot-Dechin
Auteur : Barbara Lecompte Artistes : Aurélia Frachon, Laurent Ledermann, Hélène Phénix, Sabine Pisani, Marie-Line Grima, Martine Piat-Raffier, Myriam Descoutures Metteur en scène : Yves-Patrick Grima, Marie-Line Grima @rosabonheur_lapiece A La Folie Théâtre – Grande Salle 6 rue de la Folie-Méricourt 75011 Paris Jeudi, samedi, dimanche
Une pièce émouvante, un rôle qui sied à merveille à Cristiana Reali, qui incarne avec justesse et réalisme cette grande dame qui a traversé les épreuves et la vie avec autant de courage que de détermination.
Qui ne connaît pas cette date, le 1er juillet 2018. Simone Veil entre au Panthéon. Pas seule non, son mari Antoine l’accompagne.
Une jeune journaliste doit commenter la cérémonie à la radio. Prétexte à faire revivre avec brio celle qui a connu l’horreur des camps de concentration et la gloire des politiques et des élus.
Bien sur nous en avons tous plus ou moins entendu parler,. Nous la connaissons tous un peu, les camps de concentration avec sa mère adorée et sa sœur. Le mariage et les enfants, le travail qu’elle voulait faire et que le mari ne souhaitait pas. Puis la façon dont le président Giscard d’Estaing souhaitant faire voter la loi sur l’avortement lui demande de la porter à l’assemblée, les insultes, la violence subie alors, et cette femme digne et droite qui a su faire front face à une assemblée d’hommes bien peu compatissants ou compréhensifs, quel manque d’humanité dans les mots, les gestes qu’elle devra essuyer alors. Enfin, son combat pour la réconciliation et pour une Europe forte et unie.
Il y a tout ça, mais il y a surtout un rôle porté par Cristiana Reali avec réalisme, force et pudeur, avec une vérité qui émeut et qui convainc, dans un décor minimaliste qui donne toute leur ampleur aux deux actrices.
C’est jusqu’à fin décembre ! Alors vite, courrez au théâtre, vous ne le regretterez pas.
Quoi : Simone Veil « Les combats d’une effrontée » d’après Une vie de Simone Veil Adaptation Cristiana Reali et Antoine Mory Mise en scène Pauline Susini
Il y a d’abord cette étrange sensation, en cette chaude matinée d’été. Comme si le temps s’était brutalement figé. Comme si l’Histoire reprenait ses droits. Simone Veil entre au Panthéon, avec son mari Antoine. L’histoire de Camille, elle, ne fait que commencer. Appelée à prendre la parole sur Simone Veil dans une émission de radio, elle part à la recherche de ses souvenirs d’étudiante. A moins qu’il s’agisse des souvenirs de toute une génération, qui a grandi avec les combats de cette femme hors du commun. A mesure que progresse l’émission de radio, une conversation voit le jour entre ces deux femmes, comme un dialogue entre deux générations.
Comment trouve-t-on la force de consacrer sa vie aux combats politiques ? Comment reçoit-on cet héritage?
Où : Théâtre Antoine 14 Boulevard de Strasbourg 75010 Paris Quand : encore jusqu’au 30 décembre
Combler l’absence et retrouver la mère, un roman poétique hors du temps
Magdalena est une belle jeune femme, actrice, célèbre, aimée de son public et de ceux qui travaillent à ses côtés. Le théâtre et ses rôles comblent sa vie et lui donnent sa confiance. Pourtant on sent en elle une fragilité, une blessure intime profonde comme une plaie toujours ouverte.
Le jour où sa secrétaire Adèle lui annonce « Magda, on a retrouvé ta mère » c’est une véritable secousse sismique qui la prend et une faille s’ouvre sous ses pieds. Elle n’a qu’une obsession, traverser la France en train pour retrouver l’absente.
Car depuis son enfance, Magda attend le retour de celle qui a un jour passé la porte sans jamais revenir sur ses pas. La jeune fille quelle était alors se souvient de ses retours de l’école, quand elle allait s’asseoir sur le lit près où sa mère passait ses journées, dépressive et mutique. Ses tentatives pour essayer d’obtenir son attention, les bonnes notes, les anecdotes, les mots qu’elle lançait dans le vide sans jamais obtenir son attention. Puis le vide laissé par sa mère. Ce père qui ne savait pas expliquer, qui est parti à son tour, la laissant avec les grands-parents.
Magda s’est construite sur le manque, sur le silence. Une vie bien remplie, brillante, et l’espoir fou que sa mère la retrouve un jour, au hasard d’une coupure de presse, d’une allusion sur sa carrière. C’est enfin arrivé et aujourd’hui c’est elle qui part pour tenter de remplir ce manque.
La maison éclusière où vit sa mère est une quasi ruine, et la femme devant elle a tout d’une clocharde échappée d’un hôpital psychiatrique. Dans ce paysage à la sérénité paisible, elle va peu à peu remonter le fil de son histoire, comprendre la fuite, apprivoiser l’absente. Se déroulent alors des journées étranges, parenthèses de vie, pont entre deux âmes, où mère et fille sont des étrangères sans l’être vraiment, à àse dire que si le cœur ne peut pas parler les liens du sang le pourront sans doute.
Portée par les rôles qu’elle a joué sans fin depuis des années, ces Antigone, ces femmes fortes et solitaires qui ont forgé son caractère, Magdalena se rapproche peu à peu d’Apollonia. Mais il est difficile d’accepter le passé, le vide, l’absence. Peut-elle enfin comprendre la raison de tant d’années de douleur, soulever cette chape de silence, comprendre d’où vient le traumatisme.
J’ai aimé rencontrer cette femme dans laquelle les chagrins et la solitude de l’enfance ont laissé de profondes traces et qui malgré le silence et la tristesse, trouve une consolation dans ces étranges retrouvailles.
Le côté poétique, éthéré du texte, mais aussi cette spontanéité à la limite du crédible peuvent parfois laisser perplexe. C’est pourtant à petits pas, par ses gestes, ses caresses, ses mots, que la fille va rejoindre sa mère dans les abysses où elle s’est terrée, et tenter de réparer enfin le vide laissé par cette si longue absence. On ressent un grand chagrin face à ce gâchis incompréhensible. Pourtant il y a beaucoup de grâce, de résilience et d’espoir dans cette rencontre, dans le pourquoi à peine dévoilé de l’absence et de la fuite.
Photos de la rencontre avec Léonor de Recondo aux Correspondances de Manosque
Lorsqu’elle reçoit un message lui annonçant qu’on a retrouvé sa mère, disparue trente ans plus tôt, Magdalena n’hésite pas. Elle prend la route pour le Sud-Ouest, vers la maison éclusière dont on lui a donné l’adresse, en bordure de canal. Comédienne réputée, elle a vécu toutes ces années sans rien savoir d’Apollonia. Magdalena a incarné des personnages afin de ne pas sombrer, de survivre à l’absence. Dès lors que les retrouvailles avec sa mère approchent, elle est à nu, dépouillée, ouverte à tous les possibles. Revenir à toi, c’est son voyage vers Apollonia. Un voyage intérieur aussi, vers son enfance, son père, ses grands-parents, ses amours. Un voyage charnel, parenthèse furtive et tendre avec un jeune homme de la région. Lentement se dévoile un secret ancien et douloureux, une omission tacitement transmise. Revenir à toi, c’est aussi un hommage à Antigone et aux grands mythes littéraires qui nous façonnent. Magdalena a donné vie à des personnages, elle est devenue leur porte-voix. Devant Apollonia, si lointaine et si fragile, sa voix intérieure se fait enfin entendre, inquiète mais déterminée à percer l’énigme de son existence. En l’espace de quelques jours, dans cette maison délaissée, Magdalena suit un magnifique chemin de réconciliation avec l’autre et avec elle-même. Vie rêvée et vie vécue ne font désormais qu’une.
Parution : 18 Août 2021 / Format : 130 x 205 mm / Pages : 180 / EAN : 9782246826828 prix 18.00€ / EAN numérique: 9782246826835 prix : 12,99€
Un bel hommage à Edmond Rostand, brillant inventeur du noble Cyrano de Bergerac
Mais que c’est long, que le public s’ennuie, et pourtant c’est l’incomparable, la sublime Sarah Bernhardt qui joue La princesse lointaine, cette pièce d’un poète inconnu. D’ailleurs les critiques ne s’y trompent pas non plus qui quittent le théâtre avant la fin de la représentation. D’autant qu’Edmond Rostand, le malheureux auteur de cette pièce en vers avait été sommé d’écrire une comédie. Quel flop.
Ce sont aussi les débuts des salles de projection de cette découverte révolutionnaire ds frères Lumière, le film qui projette des mouvements sur un écran. Edmond en est sûr, il faut vite trouver le succès avant que tous les théâtres disparaissent. D’autant que la grande Sarah Bernhardt lui a arrangé un rendez-vous avec Coquelin, l’acteur à la mode cherche le rôle qui confirmera son talent par un éclatant succès.
Désespéré, Edmond qui n’a toujours pas écrit une ligne, part chercher le calme et l’inspiration au café Honoré. Là, le patron et serveur au nom éponyme a de la répartie, de la dérision et l’amour de la rime. Il n’y a donc pas de meilleur endroit sans doute pour retrouver l’inspiration.
Après bien des péripéties qui nous sont contées ici avec humour, tendresse et une bonne dose de dérision, Edmond arrive enfin à écrire l’œuvre de sa vie, celle que chacun d’entre nous connaît au moins de nom. Cyrano de Bergerac sera son chef d’œuvre de Compagnon, son envol vers la postérité.
Ce que j’ai aimé ? Suivre Edmond Rostand pas à pas, jusque dans les tortueux méandres de son imagination, dans sa vie qui parfois s’encanaille, mais seulement pour le bien de sa créativité, dans le tout Paris de la création et du spectacle de l’époque.
Le rythme est soutenu, enlevé, souvent joyeux, avec de belles pointes d’humour parfois grinçant mais jamais mordant. Le tout est porté par un graphisme très agréable, avec un trait parfois fuyant, donnant un dessin tout en atmosphère plutôt qu’en traits nets affirmant la fermeté, aux couleurs fondues et chaudes, qui restituent non seulement l’ambiance des coulisses des théâtres et des cafés, mais aussi celle que l’on imagine pour cette période de la fin du 19e. Les dessins qui sortent des cases par exemple donnent le ton de cet embrouillamini qui semble être le creuset idéal pour faire émerger toute cette belle créativité.
Paris, décembre 1897, Edmond Rostand n’a pas encore trente ans mais déjà deux enfants et beaucoup d’angoisses. Après l’échec de La princesse lointaine, avec Sarah Bernhardt, ruiné, endetté, Edmond tente de convaincre le grand acteur en vogue, Constant Coquelin de jouer dans sa future pièce, une comédie héroïque, en vers. Seul souci : elle n’est pas encore écrite. Faisant fi des caprices des actrices, des exigences de ses producteurs corses, de la jalousie de sa femme, des histoires de cœur de son meilleur ami et du manque d’enthousiasme de l’ensemble de son entourage, Edmond se met à écrire cette pièce à laquelle personne ne croit mais qui deviendra la pièce préférée des français, la plus jouée du répertoire jusqu’à ce jour.
120 pages, 21×27,5 cm, 18€ / PARUTION 17 Octobre 2018 / EAN : 9782369815297
La passe imaginaire, de Grisélidis Réal interprétée et mise en scène par Vesna Etcha Dvornik « La prostitution est un art, un humanisme et un acte révolutionnaire »
Etcha Dvornik, danseuse et chorégraphe originaire de Ljubljana, en Slovénie, est venue en France continuer ses études, et poursuivre ici son travail sur le corps. Elle aime travailler sur le corps, en particulier à travers l’expression de sa fatigue, et sur la création féminine en général. Elle incarne Griselidis Real par les attitudes et les mouvements d’un corps souvent épuisé, en donnant voix à son œuvre maitresse, La passe imaginaire. Jouant sur une chorégraphie et des accessoires qui disent ou font ressentir, chaussant et déchaussant ses vertigineux escarpins rouges si emblématiques du métier qu’elle incarne.
Un spectacle à la fois décalé et surprenant, tant la proximité avec Etcha Dvornik est grande dans ce petit théâtre. Spectacle qui peut être dérangeant dans sa nudité, ses mots ou ses gestes qui expriment une sexualité tarifée à la fois violente et scandaleuse. Sans doute aussi parce qu’il rend humaines les prostituées, et place le spectateur face à ce métier dont il n’a au fond le plus souvent que des impressions et des idées certainement aussi fausses que contradictoires.
On perçoit dans les
mouvements du corps à la fois la révolte face aux idées reçues et la révolution
dans les propos de Griselidis Real. Elle veut donner une autre image de ce métier
qu’elle pratique en voulant toujours aider ces hommes qui viennent à elle,
comme le font ses consœurs, les soulager sans doute, et là les mots deviennent
aussi crus que les gestes sur la scène, aussi dérangeants que l’amour physique
sans sentiments et sans jouissance partagée.
Peu à peu, on se laisse envoûter par la voix d’Etcha Dvornik et par sa présence ; par la danse du corps et par ses gestes qui disent la lassitude et la fatigue, l’attente et la violence contenue, le désespoir parfois, dans un rôle, une chambre, un corps. Qui disent l’enfermement aussi, avec ce moment qui m’a particulièrement happée, par ce déplacement circulaire quasi hypnotique, sur cette minuscule scène de la Comédie Saint-Michel, et qui incarnait parfaitement une forme d’emprisonnement.
«Voici les lettres
intimes que j’ai reçues, en dix ans, d’une des femmes les plus rares que j’aie
eu à connaître. Ces lettres racontent sa vie du jour et de la nuit, ses clients
(immigrés turcs ou arabes, pour la plupart), ses rêveries de vieillesse, ses
amants imaginaires, ses coups de gueule, ses imprécations contre Dieu, ses
verres de royal-kadir, ses maladies à répétition, ses usures. Même si
Grisélidis se dit encore prête à tout pour les hommes, prête à tout pour
l’amour. Et surtout si elle rit de tout. Férocement. Grisélidis a peut-être le
bonheur de la désespérance. C’est en tout cas sa dignité.» Jean-Luc Hennig.
La Passe imaginaire,
œuvre maîtresse de Grisélidis Réal, écrivaine, peintre et prostituée Suisse
(1929-2005), est le fruit d’une correspondance entretenue de l’été 1980 à
l’hiver 1991 avec Jean-Luc Hennig.
Voir « La Passe Imaginaire » spectacle chorégraphique d’après l’œuvre de Griselidis Réal
Ce document sur la prostitution au quotidien dévoile le
panorama secret de la misère sexuelle masculine avec rage, crudité et
tendresse. Au fil des lettres, l’autoportrait de cette P… irrespectueuse met
à jour les autres femmes qui vivent en elle : la grande voyageuse, la lectrice
éclectique, l’amoureuse passionnée, la sociologue amateur, l’altruiste
libertaire et l’épicurienne raffinée. Écrivaine flamboyante à l’écriture large
et puissante, lyrique et crue, femme libre et engagée, enragée et humaniste,
elle fut à la tête de tous les combats et des mouvements de prostituées des
années 70.
Quand : jusqu’au
2 janvier 2020 les jeudis soirs à 21h30
Où : au
Théâtre de la comédie Saint-Michel au 95 boulevard Saint-Michel – 75005 Paris
Jeudi soir, c’était la 100ème représentation de Juliette
Drouet, au Théâtre l’Archipel, une pièce magnifique, un presque seule en scène
et une présence incroyable
Crédit photo Gilles Vautiers
Kareen Claire y joue, chante et dit une Juliette Drouet
attachante, mordante, soumise et surtout amoureuse de ce géant de la
littérature qu’est son Victor, qu’est notre Victor Hugo national devrais-je
dire.
Celui qu’elle rencontre alors qu’elle est une jeune actrice
de théâtre est déjà marié, pourtant ce sera à la fois l’amour, la passion et la
soumission à toutes ses exigences pendant plus de 50 ans ; jamais il ne
divorcera, jamais il ne sera non plus fidèle à sa maitresse (à sa femme n’en
parlons pas !) et pourtant sa muse restera à ses côtés jusqu’au bout.
Elle lui a écrit
22000 lettres tout au long de sa vie, il lui en écrira quelques-unes en
retour. Mais si les lettres de Juliette
sont riches d’anecdotes sur leurs vies, ou sur la situation politique et sociale
du pays, il ne lui adresse que quelques mots. Forts de leur histoire, Kareen
Claire, Cyril Duflot-Verez et Thierry Sforza ont écrit un texte qui fascine par
sa présence, son humanité, son humour parfois, et son analyse des protagonistes
et de leurs vies.
Le Maître est présent pendant le spectacle grâce à une voix off qui habite littéralement l’espace, on sent comme un lien entre cette voix et Juliette sur scène. Sont également présents la presse, les artistes de l’époque, l’opinion du peuple, à travers ce qui est dit de l’actualité dans les textes et chansons. Et n’oublions l’humour et la gouaille indémodables des textes de ces chansons justement, qui sonnent un brin plus léger à côté de quelques évocations parfois bien douloureuses. Le rythme est soutenu, et l’on passe du rire à l’émotion, de la passion à la colère. Le décor quasi minimaliste arrive pourtant avec seulement quelques costumes et une malle aux trésors, à restituer une ambiance. Dire que j’ai aimé serait un euphémisme. J’ai vraiment apprécié ce mélange des genres qui ne nous a jamais fait perdre de vue la personnalité de Juliette, son amour passion pour Hugo, avec ses hauts et ses bas, l’exil à Guernesey, le retour à Paris puis rue Victor Hugo. La muse inspiratrice des misérables est joliment ramenée à la vie par Kareen Claire, alors n’hésitez pas à la découvrir.
Où : Théâtre L’Archipel, Bd de Strasbourg, Paris 10. Distribution : Kareen Claire, Thierry Sforza, mise en scène Bernard Schmitt Direction musicale Cyril Duflot-Verez Spectacle musical (1h15) à voir jusqu’au 28 décembre 2019
Juliette écrira plus de 22000 lettres à son géant Victor Hugo, inspirant sa plume, sauvant sa vie et ses manuscrits. Ensemble, leurs voix se mesureront à la tempête de l’amour et à l’ouragan de la haine, aux souffles les plus terribles et les plus exaltants de notre mémoire. Pour sublimer leur passion, ils sauront toujours retrouver leurs chants, leurs accents les plus cristallins.
On connait l’actrice Isabelle Carré, sans la reconnaitre comme elle
aime à le dire, on connait moins l’auteur qui se dévoile dans « Les rêveurs »
son premier roman intimiste.
Isabelle Carré parle
de sa vie, sa famille, son enfance, sa carrière, dans un texte à son image, discret
et délicat, sobre et émouvant. Elle dévoile sobrement et avec pudeur une
enfance et une adolescence auprès de parents bien peu conventionnels, dans une
famille totalement atypique.
Ce sont les années 70, des années où tout parait possible. La
mère d’isabelle était fille-mère lorsqu’elle rencontre son mari, puis viendra Isabelle
et un troisième enfant. Isabelle n’est pas vraiment une enfant désirée, pas non
plus aimée par cette mère qui sombre dans une forme de folie et ne donne pas,
ou si peu, de marques de tendresse, pas d’effusion ni démonstration de
quelconques sentiments envers ses enfants. Son père a réussi sa vie
professionnelle, créateur d’une agence de design florissante dans ces années
80-90. Pourtant il quitte le foyer le jour où sa femme n’accepte plus son homosexualité.
Ce seront aussi la chute et la fin d’un rêve de ballets, les
séjours en hôpital psychiatrique, le départ de la maison à 15 ans, puis l’éveil
au théâtre, une véritable passion.
L’écriture est étonnante et ne respecte aucune chronologie. Les chapitres alternent des moments de vie, des sentiments, il y a une certaine bienveillance et de la douceur malgré une violence dans les relations avec les parents. Ils montrent une jeune femme en apparence fragile qui se construit et devient la douce et belle actrice que l’on imagine. Au fil des pages s’égrènent pêle-mêle des souvenirs qui construisent une personnalité, qui font le socle d’une vie. Et l’on y retrouve Keith Jarreth et le mythique Koln concert ou The Wall des Pink Floyd que tous les ados, moi y compris, écoutaient en boucle, mais aussi les parfums de l’enfance et du temps qui passe.
« On devrait trouver des moyens pour
empêcher qu’un parfum s’épuise, demander un engagement au vendeur –
certifiez-moi qu’il sera sur les rayons pour cinquante ou soixante ans, sinon
retirez-le tout de suite. Faites-le pour moi et pour tous ceux qui, grâce à un
flacon acheté dans un grand magasin, retrouvent l’odeur de leur mère, d’une
maison, d’une époque bénie de leur vie, d’un premier amour ou, plus précieuse
encore, quasi inaccessible, l’odeur de leur enfance… »
Quand l’enfance a pour décor les années
70, tout semble possible. Mais pour cette famille de rêveurs un peu déglinguée,
formidablement touchante, le chemin de la liberté est périlleux. Isabelle Carré
dit les couleurs acidulées du moment, la découverte du monde compliqué des
adultes, leurs douloureuses métamorphoses, la force et la fragilité d’une jeune
fille que le théâtre va révéler à elle-même. Une rare grâce d’écriture.
Comédienne
de théâtre et de cinéma, Isabelle Carré
poursuit depuis 1987 une carrière d’anti-star discrète au talent toujours plus
reconnu. Les rêveurs est son premier roman.
288 pages / Date de parution : 30/01/2019 / EAN : 9782253906896 / 7,70€
Quand la rivière est synonyme de liberté. Dans l’Amérique des années post guerre de sécession une troupe de théâtre embarque du Nord au Sud sur Le fleuve de la liberté.
En 1838, l’Amérique est divisée entre le Nord qui ne pratique pas l’esclavage, et le Sud esclavagiste, mais cela se fait en relative bonne intelligence. Les déchirements de la guerre de sécession n’arriveront que vingt ans plus tard.
Après le naufrage du vapeur Moselle qui devait l’emmener
avec sa cousine Constance jusqu’à Saint-Louis, la jeune May Beldoe se retrouve
seule et sans emploi sur les berges de l’Ohio. Toutes deux ont réussi à se
sauver du bateau en flammes, mais leurs maigres possessions sont au fond
du fleuve. Constance est recueillie par une abolitionniste, Mrs Howard. Elle
abandonne son métier d’actrice pour donner des conférences contre l’esclavage
le long du fleuve Ohio. May était son accompagnatrice, sa couturière, sa dame
de compagnie. Désormais seule, elle doit se ressaisir et trouve un emploi dans
un théâtre flottant.
D’abord jalousée, cette jeune femme douée, agile de ses
mains et pleine de bonne volonté va rapidement s’intégrer à cette troupe composite
aux personnalités les plus diverses. May est appréciée par tous, en particulier
par Hugo, qui dirige à la fois la troupe et le bateau dans les eaux traitresses
du fleuve. A cause d’une dette contractée auprès de Mrs Howard, May est obligée
de s’intéresser de plus près au sort des esclaves, en particulier à ceux qui tentent
de traverser Le fleuve de la liberté.
Cet éveil de conscience tardif mais réel la pousse à braver les dangers et à
prendre de sérieux risques.
J’ai aimé suivre cette troupe de théâtre aux caractères si divers, découvrir leurs échanges, leur façon de travailler sur le fleuve pendant toute une saison, en allant de ville en ville. Connaitre les petites mains qui les accompagnent et la façon dont ils sont perçus par la population. Ils doivent quasiment aller chercher leurs spectateurs. Dans ces villes en formation, épicier, shérif, juge, fermiers, chacun exerce une forme de pouvoir dont il faut comprendre les subtilités afin de flatter intelligemment celui qui saura faire venir sur le théâtre flottant le plus de spectateurs possible. Enfin j’ai aimé suivre l’éveil de conscience de May. D’abord fade et fragile, elle se transforme en une femme sûre au caractère bien trempé.
Les différents personnages permettent de comprendre les enjeux de l’esclavage, ceux qui ne le pratiquent pas mais ne le condamnent pas pour autant, ceux qui refusent d’intervenir, les chasseurs d’esclaves appâtés par le gain, et la complexité des réseaux qui tentent de leur faire passer la frontière entre le Sud et le Nord au péril de leur vie. Un roman qui se lit avec plaisir, même si le thème abordé est grave. Le lecteur s’attache à May et aux différents personnages, prêt à embarquer sur le fleuve de la liberté.
Lire également sur le sujet de l’esclavage aux États-Unis l’excellent roman de Colson Withehead, Underground Railroad.
Traduit de l’anglais (États-Unis) par Manon Malais
Avril 1838. Après le naufrage du bateau qui devait l’emmener à Saint Louis, une jeune couturière, May Bedloe, échoue seule et sans le sou sur les berges de l’Ohio. Elle trouve un travail sur un bateau-théâtre qui descend la rivière pour donner des représentations. Par sa créativité et son talent, elle se rend rapidement indispensable et trouve sa place au milieu d’une troupe joviale d’acteurs hauts en couleur. Elle y découvre l’amitié et la promesse de quelque chose de plus… Mais traverser quotidiennement la frontière entre le Sud confédéré et le Nord libre n’est pas sans danger. Pour honorer une dette, May se voit contrainte de transporter en cachette des passagers clandestins sur les flots du fleuve de la liberté. Ses secrets deviennent de plus en plus difficiles à garder. Et pour sauver la vie des autres, elle va devoir risquer la sienne…
Une formidable héroïne rend ce livre irrésistible. The Daily Mail.
Pages : 480 / Date de parution : 24/04/2019 / EAN :
9782253100751 / Prix : 8,40€
Partir sur les traces de Pierre Corneille ! Visiter deux maisons, l’une est la maison natale de Pierre Corneille, l’autre, l’ancienne métairie de la famille Corneille.
C’est dans cette maison qu’est né Pierre Corneille en 1606, qu’il a vécu et écrit en particulier sa pièce la plus célèbre, Le Cid. Il ne reste aucun meuble, si ce n’est un superbe coffre clouté au rez-de-chaussée, mais dans certaines pièces, l’ameublement a été reconstitué pour donner au visiteur une idée de ce que devait être la maison à l’époque, meubles du XVIIe et superbe bibliothèque.
A l’étage, de belles photos des acteurs les plus
emblématiques du répertoire classique de Corneille, Gérard Philippe, Francis
Huster, etc. et un rappel pas du tout inutile des différentes œuvres.
Le Musée Pierre Corneille est situé au502, rue Pierre Corneille à Petit-Couronne, dans la banlieue proche de Rouen.
Si Pierre Corneille reçoit en héritage à la mort de son père, en 1639, la maison manante de Petit-Couronne, cette propriété était depuis un demi-siècle dans sa famille. Ce domaine était à l’origine constitué d’une ferme, d’un verger et de nombreux hectares de métairie. il sera vendu en 1686 par le fils de Pierre Corneille. En 1874, le Département fait l’acquisition de la propriété et installe ce musée-manoir cornélien. Dans les années 1956, la ville de Petit-Couronne connait un développement industriel important, on réalise alors qu’il faut sauvegarder l’aspect agreste de la ferme. Le potager date des années 1990, on y trouve seulement des espèces cultivées au 17e siècle.
On peut y visiter quelques salles. En passant tout d’abord par l’entrée, dont l’existence est attestée dès le début de la demeure en 1608, puis sur les cartes postales des 19e et 20e siècles.
Vient ensuite une salle à manger, même si les pièces à l’époque de Corneille n’avaient pas de destination précise (on se souvient que l’on « dressait la table » dans la pièce dans laquelle le roi par exemple avait décidé de manger…). On a donc imaginé que c’est au rez-de-chaussée que se préparaient et se prenaient les repas.
Un cabinet de travail, là sont surtout présentées des œuvres originales, peintures, sculptures représentant Pierre Corneille. Une belle armoire, originaire de la région de Rouen, date du milieu du 17e siècle.
Si l’on ne trouve pas vraiment de meubles ou d’objets ayant appartenu au célèbre écrivain rouennais, les deux visites sont très agréables et nous replongent dans l’univers du 17e siècle. De plus, à Rouen, les musées sont gratuits pour tous, il faut savoir en profiter !
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Le roman d’amour d’un fils pour son pèreforgeron, boxeur, artiste et comédien amateur
J’avais découvert Guy Boley avec son premier roman Fils du feu, et particulièrement apprécié le style de cet auteur, unique et singulier, pour évoquer un homme, son père. J’avais aimé la puissance évocatrice de son écriture.
Avec Quand Dieu boxait en amateur, Guy Boley part à nouveau à la rencontre de son père. Mais d’un père séducteur, un père qui s’est construit dans une misère relative. René est orphelin, élevé par une mère peu éduquée et qui a peur des livres, il devient forgeron puisqu’il faut bien vivre, et boxeur, car ça fait du bien de se sortir la tête des livres ! Devenu père de famille il sera également un temps comédien amateur.
La famille vit quelque part au bord du Doubs, du côté de Besançon. L’ami Pierrot, l’ami d’enfance, appelé par Dieu, est entré dans les ordres. Revenu au pays il devient l’Abbé de ce Dieu en qui ne croit pas René, mais dont il va lui parler toute sa vie. A tel point que pendant des années René va tenir le rôle de Jésus à la fête paroissiale … Jusqu’au drame, déjà évoqué dans le premier roman, dense et destructeur, la mort d’un enfant, d’un petit, repris par un Dieu inhumain…
On entre avec ce roman comme dans un autre temps, pourtant les années 50 ne sont pas si loin. Mais ici c’est le monde de la forge et de la cure, du théâtre amateur et de Luis Mariano, le monde des ouvriers et des Abbés, des femmes qui viennent voir ce bel athlète qui incarne Jésus, toutes sans doute secrètement amoureuses du beau René. C’est nostalgique à souhait d’une époque révolue, parfois triste et souvent belle, celle de l’enfance insouciante, celle plus difficile de la famille désunie à la suite de la perte d’un enfant, une fois de trop et de la famille anéantie par un Dieu qui n’est ni bonté ni amour. Ce sont les souvenirs d’un fils pour cet homme taiseux qui n’avoue jamais son amour, puis d’un homme affaibli, alcoolique, solitaire et abandonné y compris par ce fils qui pourtant le glorifie aujourd’hui par ses mots et son amour révélé.
C’est assurément un beau roman, même si je n’ai pas retrouvé l’enthousiasme que j’avais ressenti à la lecture de Fils du feu. Lors des rencontres de Manosque, Guy Boley expliquait qu’il souhaite écrire une trilogie. Espérons qu’il saura innover, se renouveler, et nous intéresser, le pari est lancé…
C’est un artiste mon père, il est né comme ça et il n’y est pour rien : sensible, créateur, naïf, orgueilleux, entêté, innocent, fragile et responsable.
Quelques photos des rencontres avec l’auteur aux Correspondances de Manosque
Dans une France rurale aujourd’hui oubliée, deux gamins passionnés par les lettres nouent, dans le secret des livres, une amitié solide. Le premier, orphelin de père, travaille comme forgeron depuis ses quatorze ans et vit avec une mère que la littérature effraie et qui, pour cette raison, le met tôt à la boxe. Il sera champion. Le second se tourne vers des écritures plus saintes et devient abbé de la paroisse. Mais jamais les deux anciens gamins ne se quittent. Aussi, lorsque l’abbé propose à son ami d’enfance d’interpréter le rôle de Jésus dans son adaptation de La Passion de Notre Seigneur Jésus-Christ, celui-ci accepte pour sacrer, sur le ring du théâtre, leur fraternité. Ce boxeur atypique et forgeron flamboyant était le père du narrateur. Après sa mort, ce dernier décide de prendre la plume pour lui rendre sa couronne de gloire, tressée de lettres et de phrases splendides, en lui écrivant le grand roman qu’il mérite. Un uppercut littéraire.
Parution : 29/08/2018 / Pages : 180 / Format : 135 x 207 mm / Prix : 17.00 € / EAN : 9782246818168
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