Roux ! De Jean-Jacques Henner à Sonia Rykiel, musée Jean-Jacques Henner

Partir à la découverte de ce musée parisien lors de la visite de l’exposition Roux !

Les reflets d’incendie de ces chevelures rousses en ont fait des sources de préjugés, rouge du démon et des enfers, des sorcières et de la trahison. Le musée Jean-Jacques Henner réhabilite cette couleur flamboyante, aujourd’hui souvent affirmée et choisie. Il permet d’apporter un regard neuf sur l’œuvre de cet artiste en particulier, et de nombreux autres également présentés dans les différentes salles du musée.

Depuis la flûtiste d’Idylle, son premier tableau en 187, le roux va jouer un rôle primordial dans sa créativité artistique et signer sa singularité. De nombreux croquis et esquisses, ainsi que des tableaux qui représentent ses modèles posant pour lui sont présentés dans les salles de ce bel hôtel particulier. Peindre des cheveux roux lui permet de donner à ses toiles une plus grande sensualité.

Enfin, si la rousseur est le plus souvent associée au traître Judas, Jean-Jacques Henner quant à lui décide de peindre Le Christ roux.

Aux côtés des tableaux de Jean-Jacques Henner, le visiteur découvre des œuvres de Renoir, Maurin, Carolus-Duran ou Maxence, qui ont su à leur tour magnifier des femmes aux chevelures rousses qui affichent la couleur sur la toile des maîtres coloristes.

La force d’une couleur : Couleur qui se voit et qui fait écart avec les autres, Michel Pastoureau. « Le roux est une véritable couleur qu’il utilise soit en camaïeu sur toute sa toile, soit uniquement pour les cheveux afin de capter le regard dans un tableau aux ombres très présentes. Le rouge-orangé est alors renforcé par la présence du bleu-vert, sa couleur complémentaire.« 

Quelques traits de sanguine : la sanguine permet de mettre en lumière l’importance de cette couleur, c’est l’outil idéal du peintre. « Parce qu’ils sont peu nombreux, les roux peuvent susciter des réactions ambiguës mêlant fascination et répulsion. Les préjugés à leur égard sont nombreux et veulent que les roux soient des traîtres violents et les rousses des sorcières luxurieuses. »

Rousseur et préjugés : Ils attirent l’attention par leur singularité, peuvent être l’objet de moqueries ou de sévices, comme pour Poil de Carotte, le héros de Jules Renard, mais lorsqu’elle est un choix totalement assumé cette couleur renforce la personnalité, on pense par exemple à David Bowie ou même Axel Red.

Comme le rappellent si justement les informations de cette exposition, les rousses sont également nombreuses dans la poésie et le roman. Avec son célèbre poème À une mendiante rousse, publié dans le recueil Les Fleurs du mal en 1857, Charles Baudelaire associe la rousseur à la prostitution et à la pauvreté.

Blanche fille aux cheveux roux,
Dont la robe par ses trous,
Laisse voir la pauvreté,
Et la beauté,
Pour moi, poète chétif,
Ton jeune corps maladif,
Plein de taches de rousseur,
A sa douceur.

Le Musée Jean-Jacques Henner situé 43, avenue de Villiers 75017 Paris est ouvert du lundi au dimanche de 11h à 18h.

Fermeture mardi et jours fériés (1er janvier, 1er mai, 25 décembre). Nocturne jusqu’à 21h le deuxième jeudi de chaque mois.

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La collection Emil Bührle au musée Maillol

La Collection Emil Bührle, voir ou revoir Manet, Degas, Renoir, Monet, Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Modigliani, Picasso.

Une exposition de toiles incontournables à travers l’une des collections les plus importantes au monde.

Le musée Maillol présente pour la première fois en France les chefs-d’œuvre de la Collection Emil Bührle. Emil Georg Bührle (1890-1956) né en Allemagne, s’installe en Suisse en 1924. Personnage pour le moins ambigu puisqu’une grande partie de sa fortune provient de la vente d’armes pendant la Seconde Guerre Mondiale, il était aussi un amateur d’art passionné – apparemment pas toujours éclairé – mais nous ne verrons ici que des œuvres majeures. Entre 1936 et 1956 il rassemble plus de 600 œuvres d’art représentant un panorama très complet de l’art français du XIXe et du début du XXe siècle.

Le musée présente une soixantaine de pièces de cette collection qui englobe différents courants de l’art moderne : l’impressionnisme avec Manet, Monet, Pissarro, Degas, Renoir, Sisley, le postimpressionnisme avec Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, les Nabis du début du XXe siècle avec Bonnard, Vuillard, les Fauves et les Cubistes de Braque, Derain ou Vlaminck, l’École de Paris avec Modigliani, enfin, Picasso qu’il apprécie sur le tard.

A noter, dans une salle consacrée plus particulièrement aux archives, les lettres et le parcours de certains œuvres spoliées pendant la guerre, achetées, rendues pour certaines à leurs propriétaires, puis rachetées légalement par Bührle et léguées par la suite à une fondation

Blog Domi C Lire photo du tableau de Modigliani, nu couché

Cette exposition est un témoignage historique majeur. C’est beau, trop court à mon goût, même si j’aime vraiment beaucoup ce musée. C’est un beau voyage, ne boudez pas votre plaisir.

C’est au 61 rue de Grenelle 75007 Paris, jusqu’au 21 juillet 2019.

Helena Rubinstein, L’aventure de la beauté, Musée d’Art et d’Histoire du judaïsme

Pour la première fois en France, le mahJ consacre une exposition à Helena Rubinstein, celle que Jean ­Cocteau nommait « l’impératrice de la beauté ».

Visite un peu trop rapide pour moi hélas. Il faut vraiment prendre son temps car il y a plus de trois cents documents, objets, vêtements (pas assez à mon goût !), photos, peintures, sculptures, en particulier de nombreux portraits qu’elle faisait faire aux plus grands, des œuvres de Marc Chagall, Michel Kikoïne, Sarah Lipska, Louis­ Marcoussis, Elie Nadelman ou Maurice Utrillo, provenant de sa collection personnelle.

Helena Rubinstein (1872-1965)  a su créer des produits et donner aux femmes l’idée de la beauté à portée de toutes et de tous. Tous aussi, car elle fera à moment donné une tentative de salon de beauté pour homme, ne manquez pas le beau Tony Curtis. Tentative manquée car sans doute était-elle bien trop précurseur dans le domaine ?

Tout au long de sa vie, elle s’affranchit des codes en rigueur à son époque et n’aura qu’une priorité, l’émancipation des femmes par la beauté.
Née à Cracovie dans une famille modeste juive orthodoxe, ainée d’une fratrie de huit filles, elle quitte l’école à quinze ans pour aider ses parents. Quelques années plus tard, elle refuse le mariage qu’on tente de lui imposer et part à Vienne chez une tante. Mais là encore on veut la marier. Elle part alors en Australie. Là, elle change de nom et commence un commerce de crèmes de beauté, puis ouvre un institut de beauté, clamant que La beauté est un pouvoir pour les femmes, ou l’émancipation par la beauté !

En quelques années, elle va créer un véritable empire de la cosmétique. De Cracovie à Vienne, de Melbourne à Londres, de Paris à New-York elle a créé des produits de beauté, des lignes de maquillage pour toutes les femmes (auparavant le maquillage était destiné aux prostituées), ouvert des usines, des instituts de beauté. Elle fait de la beauté une science, n’hésitant pas à analyser, classer, la peau, à soumettre crèmes et produits à des tests rigoureux, et préconise également régime et activité physique, largement en avant sur son temps.

Femme d’affaires d’envergure internationale, sa fortune lui permet tous les plaisirs. Elle s’habille chez les plus grands couturiers, Chanel, Schiaparelli, Dior ou Saint Laurent.

Collectionneuse et amateur d’art éclairé elle a côtoyé les plus grands artistes de son temps. Comme les grands mécènes de la Renaissance, elle les a fait régulièrement travailler. Elle leur commande en particulier des portraits, et les plus grands noms de son époque se sont ainsi retrouvés sur les murs de ses différents appartements. Et lorsqu’elle aimait un artiste, elle n’hésitait pas à lui commander des œuvres, pour ses intérieurs comme pour ses salons de beauté. Elle va acquérir tout au long de ses années de grands collections d’art premiers, mais aussi des œuvres des artistes de son temps, on la voit en photo aux côtés des plus grands noms qui nous font tant rêver, Dali, Picasso, Frida Kahlo par exemple.

C’est au Musée d’Art et d’Histoire du judaïsme, dans l’Hôtel de saint Aignan, au 71, rue du Temple, 75003 Paris, jusqu’au 25 août 2019.

Commissaire de l’exposition Michèle Fitoussi

Vasarely, le partage des formes au Centre Pompidou

Une rétrospective très complète de l’œuvre du maître de l’Op art. Hypnotique, cosmique, visionnaire, avec lui la 4e dimension entre sur la toile.

C’est la première grande rétrospective française consacrée au père de l’art optique, Victor Vasarely. Dans un parcours à la fois la chronologique et thématique, l’exposition présente près de trois cents œuvres de toutes tailles, souvent impressionnantes avouons-le, pour explorer le continent Vasarely,et aborder toutes les facettes de l’œuvre d’un artiste plus éclectique qu’il n’y parait.

De sa formation dans les traces du Bauhaus jusqu’aux ses dernières innovations formelles – peintures, sculptures, multiples, intégrations architecturales, publicités, études – il touche à tout.

De Budapest à Paris, de Belle ile en mer à Gordes, par ses géométries abstraites en noir et blanc qui exacerbent l’illusion optique ou par ses toiles pixellisés aux couleurs chatoyantes qui font perdre tous repères, approchant la science-fiction et l’imaginaire cosmique, on retrouve celui qui a marqué la culture populaire des années 1960-1970. Vasarely s’inscrit totalement dans un contexte scientifique, économique et social, qui met en exergue la place centrale de l’artiste dans l’imaginaire de ces Trente Glorieuses.

J’ai passé un moment magique, et vraiment eu un grand plaisir à voir différemment cet artiste que l’on croisait dans les années 70 à chaque coin de rue. Des œuvres majeures marquantes, des couleurs étonnantes, chaque grande toile, en particulier les séries énergies abstraites ou rêveries cosmiques, à regarder de près et de loin, en appréciant la scénographie et les éclairages de chaque salle d’expo. Une réussite.

Un artiste à redécouvrir absolument. L’exposition, organisée par le Centre Pompidou, Paris en collaboration avec le Städel Museum, Francfort, est à voir jusqu’au 6 mai.

Hammershøi, le maître de la peinture danoise, musée Jacquemart André

Visiter l’Expo « Hammershøi, le maître de la peinture danoise » et ressentir un moment de sérénité pure à contempler ces toiles en impressions de gris et blancs.

Un artiste éternellement contemporain, superbement étonnant, une jolie découverte. Apparemment tombé dans l’oubli pendant de nombreuses années, Wilhem Hammershøi (1864-1916) est parfois considéré comme le Vermeer du XX° siècle.

Il se dégage de ces quelques 40 toiles, à mesure que l’on progresse dans les salles, une telle sérénité, un tel calme, que l’on a envie d’y revenir. Si le thème des intérieurs était en vogue à l’époque chez les peintres danois, il l’a en quelque sorte sublimé. Les couleurs sont quasi absentes, essentiellement des tonalités de gris, bruns, blancs, tonalités froides donnant une impression de mélancolie, voire d’austérité, peu de meubles ou d’objets, et des compositions de lignes horizontales et verticales pour arrêter le regard… Chaque pièce semble la même et pourtant l’artiste a voyagé et peint les différents intérieurs dans lesquels il a évolué avec sa femme Ida.

Si la fiancée est représentée de face, l’épouse quant à elle ne le sera que de dos ou visage penché. Un parti pris artistique, pour ne retenir du tableau que les formes, la lumière, la pièce dans laquelle elle se situe ?

Alors oui, avouons-le, ce rendu est superbe. On a l’impression de se trouver face à des partis-pris photographiques, cadrage resserré, ombre et lumière, contrejour, suite de pièces et de portes… L’artiste est mort jeune, 51 ans, on peut se demander jusqu’où serait allé son désir d’abstraction dans ses œuvres…

💙💙💙💙💙

Le musée Jacquemart André met l’artiste danois à l’honneur jusqu’au 22 juillet. Ouvert 7/7 de 10h à 18h, nocturnes les lundis jusqu’à 20h30.

Miro, Grand Palais

Visiter l’expo Miro et savourer les couleurs, la poésie et l’inventivité de l’artiste catalan. « Pour moi, un tableau doit être comme des étincelles. Il faut qu’il éblouisse comme la beauté d’une femme ou d’un poème ».

Le Grand Palais consacre une belle rétrospective au grand maître catalan Joan Miró et présente plus de 150 œuvres en provenance des grands musées européens et américains, ainsi que de collections privées, pour permettre au visiteur de parcourir soixante-dix ans de création, d’inventivité, de rêves avec cet artiste qui nous parle de poésie en bleu ou en couleurs.

Quand le trait se pose sur la toile, sa simplicité manifeste est pourtant évocatrice et émouvante, qu’il évoque la montée du fascisme, l’hommage à l’ami Picasso ou la condamnation du jeune manifestant, Miro nous émeut et nous touche, nous frappe et nous réveille. Par ses traits, ses courbes, ses aplats, ses tons vifs et colorés, ses œuvres nous parlent, ses œuvres nous interpellent…

De sa Catalogne natale à Paris, de Mont Roig à Palma de Majorque, Miro a trouvé un alphabet coloré qu’il a décliné et fait évoluer dans son œuvre tout au long de sa vie. Il va comme il dit assassiner la peinture et développer son art de cette manière si personnelle, avec cette simplicité de traits, de figures, de formes et de couleurs. Il est d’ailleurs l’un des rares artistes, avec son grand ami Pablo Picasso, a avoir lancé un défi à la fois au surréalisme (lui qui est pourtant souvent qualifié de peintre surréaliste) et à l’abstraction.

Il se sera cependant essayé à tous les styles de son époque, le cubisme interprété à sa manière – on est loin des œuvres de Juan Gris ou de Pablo Picasso – le fauvisme, l’art catalan…

A partir de 1925, à Paris il fréquentera les surréalistes, les poètes et les artistes de son époque, Max Ernst, Robert Desnos, Tsara, Antonin Artaud, Aragon ou André Breton. Mais loin de l’interprétation surréaliste, son univers poétique est empreint de liberté tant dans les traits que dans les couleurs, il n’y a plus de représentation du réel, mais au contraire une prépondérance de l’imaginaire et de l’interprétation lyrique dans ce qu’il peint. En 1935, Miro est fortement touché par la montée du franquisme et par la guerre civile espagnole, son œuvre reflète alors toutes ses angoisses.

Réfugié avec tant d’autres artistes sur la côte normande il réalise à l’été 1939 les constellations, gouaches sur papier, une série qu’il termine en 1941. Élaboration de signes, de pictogrammes, constitutifs de cet alphabet si caractéristique qu’on retrouve tout au long de sa vie.

Simplicité, couleur, inventivité, sont les mots qui me viennent à l’esprit en parcourant les salles du Grand Palais.

On peut y voir également quelques céramiques produites dans le village de Gallifa. Au contraire de Picasso, Miro ne produira que des œuvres uniques.

Mais aussi des sculptures classiques, recouvertes de ripolin aux couleurs vives, comme pour tourner en dérisoire, voire ridicule, le travail intense de l’artiste sculpteur. A la façon de Calder ?

Bleu I bleu II, bleu III : réalisées à Palma de Majorque ses premières œuvres monumentales sont comme un aboutissement de tout ce qu’il a essayé de faire.

Joan Miró a été un homme engagé tout au long de sa carrière exceptionnelle. Il a défendu la Seconde République espagnole pendant la guerre civile de 1936-1939, il a peint un triptyque, œuvre critique sur l’exécution de l’anarchiste catalan Salvador Puig Antich en 1974. L’exécution à lieu au moment où il termine le troisième volet du triptyque.

Toiles brulées, épure blanche de grands triptyques… Miro invente, détruit, construit tout au long de sa vie une œuvre unique et forte.

Et, comment dire, en revoyant son œuvre, je me remémore et je comprends mieux l’inspiration des Shadocks, pas vous ?…

Une exposition qui se concentre sur les périodes charnières de l’artiste, du mouvement fauve au surréalisme, en passant par le cubisme ou le mouvement détailliste. Ni abstrait, ni figuratif, son art est devenu au fil des années un véritable langage, et n’a eu de cesse de se développer.

💙💙💙💙💙 Du 3 octobre 2018 au 4 février 2019.

Éblouissante Venise. Venise, les arts et l’Europe au XVIIIe siècle, au Grand Palais

Vous rêvez de partir en voyage pour fuir l’hiver, au Grand Palais embarquez pour Venise pour le prix d’un billet


Exposition scénographiée par Macha Makeïeff. Les robes en papier d’Isabelle de Borchgrave (2018)

Cette exposition est un hommage aux artistes de cette cité-état indépendante instituée en république depuis le Moyen Age. C’est aussi un voyage dans la vie de la Venise du XVIIIe siècle. Bien que sur le déclin, elle fascine néanmoins toujours l’Europe par sa création artistique foisonnante.

Peintres, sculpteurs, décorateurs, de Gian Antonio Canaletto à Francesco Guardi, et leurs suiveurs, tous produisent les riches œuvres présentées ici. Il s’en dégage une atmosphère manifestement festive et légère, il faut dire que le décor des canaux et des bâtiments qui s’y reflètent offre une magnifique scénographie sans cesse renouvelée.

Si le parcours parait parfois légèrement incohérent, ou tout au moins peut sembler hermétique pour les non-avertis que nous sommes souvent, les œuvres présentées donnent une image intéressante et multiforme de la production artistique de la Sérénissime. En particulier à l’heure où fêtes, opéra, théâtre, réceptions et divertissements ponctuent la vie de ses habitants et des voyageurs qui la découvrent. Elle fait également la part belle aux œuvres des artistes vénitiens qui ont parcouru l’Europe, en Angleterre, dans les pays germaniques ou à Paris, et porté haut les couleurs de la Sérénissime.

Et l’on découvre et savoure, au fil des différentes salles du Grand Palais, entre autre…

💙💙💙💙 Jusqu’au 21 janvier.